IFPI es el organismo que representa globalmente a la industria discográfica. El Miércoles pasado ha publicado un nuevo reporte que remarca las cifras monetarias y servicios que los sellos proporcionan en el desarrollo y promoción de artistas. El documento es muy interesante por la información que contiene y la forma en que la industria musical se propone promoviendo la lucha anti-piratería y fomentando de los artistas. Tenemos que empezar a plantear este debate desde la cultura libre, entendiendo que el rol de estos intermediarios (discográficas y distribuidoras) se ha logrado instalar por encima de los intereses de los músicos y otros actores como arregladores, sonidistas, etc… Los verdaderos productores, podríamos decir.
Sin embargo, más allá del tono apologético, es necesario leer estos textos y pensar cómo sería un modelo superador desde nuestro lado. Esto es un desafío bien interesante. Veremos si podemos ir sistematizando algunas opiniones formadas.
Les dejamos el texto que fue publicado en el blog amigo Aliado Digital, que aconsejamos seguir permanentemente.
«Se estima que en su totalidad los sellos invierten $5,000 millones de dólares anuales en talento musical, apoyando a miles de artistas, y gastando un monto típico de $1 millón de dólares para catapultar a un artista/grupo pop en los principales mercados. Habría más de 4,000 artistas en actividad en los sellos ‘major’ (EMI, Sony, Universal, Warner) –de los cuales el 25% habría sido contratado en los últimos 12 meses– y varios miles más en las discográficas independientes.
Las compañías discográficas son los mayores inversores en el talento musical, aportando casi el 30% de sus ingresos por ventas en el desarrollo y mercadeo de artistas. Asimismo, La música grabada tendría un enorme impacto económico, ayudando a generar un mayor sector musical, incluyendo la música en vivo, radio, edición, equipamiento de audio, estimado en $160,000 millones de dólares anuales. IFPI calcula que este sector emplea a 2 millones de personas en todo el mundo.
Con respecto a la inversión inicial en un artista en EE.UU. y el Reino Unido, el reporte señala que el monto de $1 millón de dólares se divide de la siguiente manera:
Adelanto para que el artista pueda concentrarse sólo en componer, practicar, grabar y tocar su música: $200,000 dólares.
Grabación del primer disco (sin productores famosos ni orquestas, etc.): $200,000 dólares.
Tres videos musicales: $200,000 dólares.
Gira: $100,000 dólares.
Promoción/márketing: $300,000 dólares.
Las inversiones de los sellos, sin embargo, están cada vez bajo mayor presión a causa del intercambio ilegal de contenidos en Internet y de otros modos de piratería. Por ejemplo, en Francia, datos de la industria muestran que en 2009 las compañías discográficas invirtieron el 12% de sus ingresos en el márketing de artistas, una cuota que retrocedió considerablemente con respecto al 15% atribuido en 2006, cuando los ingresos ya habían caído enormemente debido a la piratería en línea.»
El especial sobre Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band (1967, Parlophone) trató en su primera parte sobre el contexto del momento, recordando a los grupos que en ese tiempo buscaban compartir protagonismo con The Beatles y las sesiones de grabación, donde George Martín llevó la batuta como sexto Beatle que es considerado.
La segunda parte de este especial se centra en las canciones, una a una, con sus respectivas historias, el concepto original del disco en mono y sus diferencias con la versión en estéreo, además de la recepción de la crítica y del público, sin olvidar su mítica portada. El espectáculo acababa de comenzar.
Canciones:
La banda quería cambiar los cauces del Rock y por tanto del Pop del momento, algo que se vio reflejado en un primer momento en las letras, más libres y menos efectistas que en anteriores entregas. Nada de cantar al amor de forma banal y tararear estribillos facilones, tanto McCartney como Lennon se centran en reflejar vivencias personales y los temas mejoran frente a los anteriores.
A esto hay que sumar el efecto del álbum conceptual y la supresión de los silencios entre cada tema, algo innovador en aquel momento y crea la sensación de un único show donde el oyente se evade. Para que haya esta unión entre tanto sonido dispar, la batería de Ringo Starr alcanza su máximo nivel y crea el nexo de unión entre una canción y otra, llevando el ritmo y dando juego tanto a las guitarras como a las voces.
Los efectos de las drogas se empezaban a notar, el LSD inundaba la escena londinense y Revolver había sido escrito bajo bastante influencia de este tipo de sustancias, algo que el grupo quitaba peso y negaba, puesto que hay que pensar qué imagen proyectaban a la sociedad: la de unos niños buenos frente a la rebeldía de los Rolling Stones.
‘Sgt Pepper’s Lonely Hearts Club Band’, grabada 1 de febrero de 1967, es la introducción de la banda y la presentación de este nuevo mundo que han creado, sobre todo desde la mente de McCartney. Para ello los arreglos juegan un papel fundamental, tanto por la parte de la orquesta en cuestión de viento metal, como con fragmentos grabados del público como si de una actuación de circo se tratase (el anticipo del sample). La banda del sargento Pimienta nos daba la bienvenida entre risas y aplausos, riffs de guitarras a lo Yardbirds, musculosos y crudos, pero con un optimismo que ningún Verano del Amor posterior podría igualar. Empezaba el show.
‘With A Little Help From My Friends’ era el segundo dardo firmado por John y Paul en una apertura fantástica que da paso a un medio tempo calmado, una batería con toques jazzy y las armonías vocales de los de Liverpool, esta vez con el timbre más grave de Ringo Starr a la cabeza y el resto de acompañamiento. Fue de los últimos temas que terminaron, el 29 de marzo de 2967, escrito para que el batería tuviese su justo protagonismo y con un diálogo entre los miembros de la banda a partir de preguntas lanzadas que respondían las segundas voces, Paul también al bajo y John, a la guitarra y al piano, de donde había extraído la melodía para dicha canción.
‘Lucy In The Sky With Diamonds’, grabada el 1 de marzo de 1967, es una de las baladas más bellas que John Lennon ha escrito nunca. Tres minutos y medio de Rock psicodélico que anticipaba su posterior camino hacia el Pop y la explosión de color sin la necesidad de tanta ornamentación, sólo una melodía simple, el tamboura de George Harrison creando la atmósfera de forma lenta y el órgano Lowrey de McCartney modificado en su sonido para jugar con nuevas fronteras.
El origen del tema suele partir de un dibujo del hijo de Lennon, Julian, quien dibujó en 1966 a su compañera de clase, Lucy O’Donnell, recientemente fallecida, el 22 de septiembre de 2009, con diamantes en forma de ojos, algo que el propio Julian no supo explicar en su momento pero que le llevó a denominar al dibujo como “Lucy – in the sky with diamonds”.
Después están las suposiciones de que el tema salió con motivo de la influencia del LSD, siglas que el título podría representar, pero que fueron denegadas una y otra vez, hasta que ya por fin, en 2004 y con los bolsillos forrados de verde, McCartney por fin confirmaba lo obvio: ‘Lucy In The Sky With Diamonds’ había surgido fruto del LSD.
‘Getting Better’, grabada el 9 de marzo de 1967, es de las más directas, no llega a los tres minutos. La guitarra de Harrison (al final incluye una parte de tambura) y Lennon se sincronizan creando un riff adictivo, que se une a un estribillo muy repetido y que llega a cargar un poco el tema. Ringo incorpora congas al sonido como percusión pero destaca más por la voz duplicada de Paul, así como de su parecido a hits de la talla de ‘Penny Lane’. Para mí es de las más flojas del álbum pero resume “la fórmula Beatles” de los años anteriores.
‘Fixing a Hole’, grabada el 21 de febrero de 1967, es la única que fue grabada fuera de los estudios Abbey Road, trasladándose a los estudios Regent Sound, también en Londres, porque los primeros no estaban disponibles esa noche. Como curiosidad: era la primera vez que The Beatles usaban otro estudio diferente para grabar. Con esta canción vuelven a sonar psicodélicos, Paul sigue doblado en su voz, técnica que también utilizan con la guitarra de Harrison, con un solo donde la guitarra de McCartney se queda más libre.
De nuevo vuelven a aparecer las drogas como posible inspiración, tanto heroína como marihuana, sustancia que Paul consumía con asiduidad en ese momento. Sigue sin quedar claro del todo, pero lo cierto es que el grupo suena más psicodélico que nunca.
‘She’s Leaving Home’, grabada el 17 de marzo de 1967, vuelven a ser The Beatles en formato balada con las perfectas armonías vocales que mezclan las voces de Paul y John, ambas dobladas, así como los coros de éste último. Un tema barroco con unos falsetes impecables y una caída al estribillo delicada entre arreglos de cuerda de la mano de cuatro violines, dos violas, dos chelos, un contrabajo y un arpa, tocado por Sheila Bromberg, la primera mujer en tocar en un disco de los Beatles. Mike Leander fue quien se encargó de estos arreglos y George Martin precedía en el sonido a las inquietudes clásicas de un joven McCartney.
Basada en una historia real que leyeron en un periódico (Daily Mirror), sobre una chica (Melanie Coe) que había abandonado su casa y no era encontrada. Aunque, como es lógico, la pareja de artistas trastocaron parte de la historia para hacerla más teatral.
‘Being for the Benefit of Mr. Kite!’, grabada en numerosas tomas los días 17 y 20 de febrero, y el 28, 29 y 31 de marzo, era el cierre de la cara A y como tal se iba a cumplir el primer silencio de la actuación de la banda del sargento Pimienta, por lo que el tono cambia, volviéndose más oscuro y escrita por John Lennon inspirado en un póster del circo de Pablo Fanque del siglo XIX, temática que refleja la historia. La atmósfera se vuelve más surrealista que cualquiera de las anteriores y las armónicas se solapan con el Hammond y el piano de Lennon, así como los diversos instrumentos de George Martin. A destacar la utilización de loops procedentes de cintas, como ya hiciese John Cage en su momento.
‘Within You Without You’, grabada entre los días 15 y 22 de marzo, además del 3 de abril de 1967, abre la cara B. Otro espectáculo comienza de las manos de George Harrison quien dirige a la banda en un viaje de iniciación por la cultura hindú gracias a largos solos con la tambura y el sitar, así como un buen número de músicos de sesión que le acompañan con otros instrumentos típicos de este sonido. Es el único tema, junto a ‘A Day In The Life’ que supera los cinco minutos de duración y a buen seguro, si EMI no hubiese estado detrás, se podría haber alargado más porque originalmente fue propuesta para que durase 30 minutos, algo anti-comercial en ese momento.
‘When I’m Sixty-Four’, grabada entre el 6 y el 21 de diciembre, vuelve a mostrar el gusto por el sonido de la música clásica y el Jazz por parte de McCartney, quien la firma y la canta. El sonido de vaudeville impregna el tema en el que Paul lleva a cabo un diálogo con dos clarinetes y un clarinete bajo, lo más destacado por su hermosura en la combinación y el tempo de un fraseo muy calmado, casi narrado y las dosis de humor de la letra unidas con cierto tono triste (“Will you still need me, will you still feed me, / When I’m sixty-four”).
‘Lovely Rita’, grabada el 23 febrero y el 21 de marzo de 1967, de nuevo a manos de Paul, tanto en la voz como en la letra, abre más el grupo hacia el Pop vitalista, dando un papel muy importante al sonido de las guitarras de George Harrison y el apoyo de Ringo Starr a la batería, así como los fraseos de George Martin al piano, hilo conductor con el siguiente tema para evitar las pausas, junto con el canto de un gallo.
The Beatles – Good Morning Good Morning (YouTube)
‘Good Morning Good Morning’, grabada el 8 y 16 de febrero, además del 13, 28 y 29 de marzo de 1967, recae en manos de John al completo y se nota desde cómo surgió el tema, gracias a un anuncio en la televisión de la marca de cereales, Corn Flakes de Kellogg’s cuyo jingle decía así: “Good morning, good morning, The best to you each morning, Sunshine Breakfast, Kellogg’s Corn Flakes, Crisp and full of fun”. Riffs de guitarra y un final reservado para, de nuevo, sonidos de animales, entre gallos, caballos y perros, entre otros.
‘Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band (Reprise)’, regrabada el 1 de abril, sirve como despedida del show que ya se acaba, del show loco que anticipa obras como The Who Sell Out (1967, Track) y Tommy (1969, Track/Poyldor) de The Who que vendrían a retomar la idea conceptual en torno a un tema o sonido. La banda del sargento Pimienta nos dice que: “We hope you have enjoyed the show” y que su tiempo llegó a su fin, que se despiden del escenario.
‘A Day In The Life’, grabada el 19 y 20 de enero y el 3 y 10 de febrero, es el bis que siempre guarda todo gran actuación. Escrita por la pareja John y Paul y con el intercambio de papeles en la voz protagonista. Para mí, es uno de los mejores temas de Pop de todos los tiempos y el mejor de este álbum. Tiene todo tipo de sonidos en su interior, cual caja de Pandora que se abre para mostrarse al exterior, sólo que en vez de salir los males del mundo, sale esta joya. Es John quien se lanza el primero a entonar mediante un hilo frágil los primeros versos de la historia sobre un punto que no ha sido aclarado. Unos dicen que trata sobre la muerte en un accidente de coche de Tara Browne, heredera de 21 de la familia Guinness, la cual afectó también de sobremanera a Brian Jones; y George Martin habla de una referencia a las drogas. Quizá ambas ideas se juntasen como solía pasar en aquel momento. Mientras McCartney habla de su juventud y Lennon de referencias a periódicos…
El caso es que John Lennon llega casi desapareciéndose hacia la explosión de la orquesta al final del primer minuto y mitad del segundo, testigo que recoge Paul McCartney, momento al que también le sucede otra explosión de júbilo en un crescendo de los 40 músicos que formaban la orquesta (¡aunque McCartney llegó a querer 90!). Ya al final, la subida llega a su culmen máximo y explota en la cima dejando caer el telón con ella y tras un rato, 20 segundos de locura que han generado más de alguna tesis marciana. El coro final de ‘A Day In The Life’ es patrimonio de los mejores momentos de la música del siglo XX.
De esta manera se ponía fin en la parte sonora a una obra magna, de las mejores de la historia de la música y que cambió buena parte de lo que vendría después. La banda del sargento Pimienta había demostrado su categoría de genios del Pop y de la Música con mayúsculas.
Mono y estéreo
‘You haven’t really heard Sgt. Pepper until you’ve heard it in mono’. John Lennon hizo famosa dicha frase siempre que hablaba de este álbum, y es que fue concebido en mono, pero después, su discográfica EMI se decidió por pasar al sonido estéreo sin previo aviso con el objetivo de rentabilizar una tecnología en aquel momento implantándose y en auge (llevaba implantada sólo 10 años en el negocio de la música).
Geoff Emerick y su equipo fueros quienes se encargaron de esta mezcla en los estudios Abbey Road, llevada a cabo sin que el grupo se presentase a las sesiones, cuya duración fue de dos días y medios. Toda la grabación y distribución del sonido fue pensada en mono y se iban a encontrar con que la comercialización sería hecha en estéreo, puesto que hasta 2009 no se ha podido disfrutar del sonido original de Sgt. Pepper salvo bootlegs piratas. La versión en vinilo sí que tenía su opción en mono pero en los 70 se eliminó del mercado, mientras que en CD salió directamente en estéreo.
Los cambios son muy evidentes entre una versión y otra. Los más evidentes están en: ‘Lucy In The Sky With Diamonds’, pierde peso en el sonido mientras que los arreglos ganan presencia, ‘She’s Leaving Home’, modificada en el tempo de reproducción, y en ‘Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band (Reprise)’ la voz de McCartney al final directamente desaparece.
También varía la duración de algunos temas, el sonido de estos en general, las baterías…
La explicación de la elección del mono frente al estéreo la dio George Martin en el libro Recording The Beatles (2006): “En 1967 muy pocas personas tenían un equipo estéreo. Casi todo el mundo escuchaba la música en mono. Era el sistema estándar.”
Recepción por crítica y público:
Sgt. Pepper cambió el transcurso de la historia de la música y la crítica supo ver su importancia desde el principio, desde calificarlo como “un momento decisivo en la historia de la civilización occidental”, en palabras del crítico teatral británico Kenneth Tynan, a ser encumbrado como el mejor disco de la historia por la NME en 1974, título que después revalidaría por parte de la revista Rolling Stone. Y polos opuestos como la revista Time y Pitchfork llegan a coincidir; los primeros eligiendo al álbum como uno de los 100 mejores de la historia, y los segundos brindándole un diez de diez, nota que pocas veces usan. En España la Rockdelux, lo eligió en el puesto 46 de los mejores del siglo XX.
El público lo digirió de forma paulatina, adaptándose a este nuevo sonido que los Beatles proponían, pero al final acabó triunfando a nivel de ventas, como ya pasase con todos sus anteriores. En Estados Unidos se mantuvo número uno durante 15 semanas, en Gran Bretaña durante 27 y en Australia durante 30. También fue un éxito mundial.
En la gala de los Grammy de 1968 se llevó nada menos que cuatro de siete a los que optaba: al álbum del año, a la mejor portada, al álbum contemporáneo, y al mejor ingeniero de sonido, no-clásico.
Por desgracia, no todo lo que derivó de Sgt. Pepper fueron buenas noticias. Brian Wilson al escuchar mientras conducía por Los Ángeles el anticipo en forma de single con ‘Strawberry Fields Forever’ como cara B (al que se sumaba ‘Penny Lane’ como cara A; publicado el 13 de febrero en Estados Unidos y cuatro días más tarde en Gran Bretaña) debió decir (no sé dónde empieza y acaba la leyenda) que: The Beatles “habían llegado a la meta primero”, tras lo cual las sesiones de Smile, el nuevo álbum de The Beach Boys, quedaron abandonadas de por vida hasta que en 2004 volvió a retomarse el proyecto.
Portada:
Como buen álbum planteado para cambiar la música, la portada también tenía que ser revolucionaria. En Sgt. Pepper es la primera vez que The Beatles introducen las letras dentro de un álbum, para el cual contaron en el diseño con Peter Blake, artista pop ya reconocido en aquel momento, y como director artístico con Robert Fraser, todo un personaje del mundo del arte en la década de los 60.
La banda tomó en serio su personaje en la banda del sargento Pimienta y se vistió con vistosos uniformes militares, diseñados por Manuel Cuevas, y poblados bigotes que destacaban sobre los intensos fondos en amarillo, rojo y verde.
Pero lo más importante es la portada, donde reunieron a 70 famosos incorporados mediante la técnica del collage, a excepción de las estatuas de los propios Beatles a la izquierda, junto al boxeador Sonny Liston y a la derecha, la actriz Diana Dors. Montaje que tardaron dos semanas en rematar. Al final, John Lennon no pudo salirse con la suya e incorporar a Mahatma Gandhi, (quitada por deseo de EMI) Jesucristo o Adolf Hitler, quien sí sale en la foto de preparación en el libreto del disco, con este pie de foto: “Almost Reddy for action – note Hitler on the sidelines”.
Lo mejor de todo es descubrir los detalles ocultos, habituales en la ironía del grupo. Por ejemplo: la muñeca de Shirley Temple con una camiseta que pone “Welcome The Rolling Stones”, las figuras de porcelana de ambos lados, así como la típica figura japonesa, el diminuto gnomo de jardín, la presencia de Aleister Crowley casi oculto en la esquina superior izquierda, el gurú indio, Sri Lahiri Mahasaya, entre otros.
La lista la completan nombres tan importantes como: Aldoux Huxley, William Burroughs, Bob Dylan, Karl Marx, Marlon Brando, Oscar Wilde, Lewis Carroll, Marlene Dietrich, Dylan Thomas, entre muchos más.
Una obra de arte que junto a la de Andy Warhol para la Velvet Underground, como ejemplo, se exhibirá en museos de aquí a unos años, mientras se sigue especulando si las plantas eran de marihuana o no y se habla sobre su precio de entonces, 2.868 libras (equivalentes a 37.521 libras de hoy en día, es decir, 40.205 euros aproximadamente).
“We’re Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band / We hope you will enjoy the show”. De esta manera The Beatles presentaban su octavo álbum de estudio en menos de cuatro años, con una media de dos o tres cada doce meses. Una frecuencia abrumadora que provocó, al producirse un año de diferencia entre Revolver (1966, Parlophone) y Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band (1967, Parlophone), la generación de rumores de todo tipo, sobre todo los agoreros que decían que los británicos estaban a punto de separarse.
Frente a todo tipo de presiones, a todo tipo de especulaciones y afirmaciones de que lo mejor de los de Liverpool ya se había publicado, que ahora vendría la bajada, los cuatro fantásticos publicaban un nuevo álbum con el que cambiarían en sólo 13 canciones el significado del término Pop por aquel entonces, un álbum que cambiaría el transcurso de la música a partir de ese momento y hasta la manera en que la sociedad se abría hacia nuevos sonidos.
Contexto:
Sgt. Pepper’s… nació fruto de un contexto muy concreto, sin él el álbum no habría sido el mismo. En 1966 The Beatles ya eran las grandes estrellas de la música que vendían millones de copias, con tan solo seis años de su formación, seis de su paso por Hamburgo, cinco desde su fama creciente en el Cavern Club, con Brian Epstein fichándolos en 1962 y así sucesivamente hasta que en 1964 se les abrían las puertas de Estados Unidos y un año más tarde publicarían Rubber Soul (1965), al que seguiría Revolver (1966), sin olvidar su famosa frase: “we’re more popular than Jesus now” y la locura . Dos joyas de la corona y en donde ya se empezaba a percibir un cambio en el sonido, especialmente en el segundo álbum mencionado con temas como ‘Eleanor Rigby’, ‘Tomorrow Never Knows’ y sobre todo ‘Love You To’.
El agotamiento de la banda era lógico, giras extenuantes, promoción sin descanso y la explotación por parte de sus discográficas, Parlophone en Reino Unido y Capitol en Estados Unidos, o lo que es lo mismo, el imperio EMI, con el objetivo de rentabilizar al máximo esta gallina de los huevos de oro llamada The Beatles, los cuales eran más listos que sus jefes y habían llegado a un punto en el que pararse a pensar y tomar otro camino.
Mientras, en el exterior, seguía habiendo vida aparte de este cuarteto británico. A principio de 1966 empezarían las pruebas con el LSD, sustancia que marcaría la grabación de este álbum y que en octubre de ese mismo año inundaría la escena londinense. Estados Unidos seguía enviando soldados a Vietnam del Sur para mantener su lucha contra el comunismo y al otro lado del Atlántico, los únicos posibles competidores de The Beatles a nivel de público y creadores de un nuevo orden, The Rolling Stones iban aún muchos pasos atrás de los de Liverpool, con Andrew Oldham, su mánager, motivando a que Mick Jagger y Keith Richards compusiesen sus propios temas (‘Satisfaction’ se publicó en 1965), algo que John Lennon y Paul McCartney asumían como lógico desde hace tiempo.
En el panorama musical The Beach Boys habían publicado su Pet Sounds (1966, Capitol Records), el álbum Pop con mayúsculas de la historia y del cual Paul McCartney se vio influenciado en cuanto lo escuchó, llegando a declarar: “Es el mejor disco vocal que se haya grabado nunca… es en realidad una obra maestra”. Pero no fue el único álbum que por aquel entonces ya había anticipado que otro Pop era posible, Joe Meek llevaba convirtiéndose en el marciano mayor del reino desde principios de los 50 y la casualidad sería fatídica, puesto que murió antes de ver el cambio dado de forma masiva por Sgt. Pepper al poco de publicarse el 1 de junio de 1976, puesto que había muerto cuatro meses antes.
En las Islas Británicas, los nombres que podían ir más a la par de este cambio eran The Kinks, los cuales publicarían en 1968 The Kinks Are The Village Green Preservation Society (1968, Pye) y Small Faces, que con Small Faces (1967, Immediate) y Ogden’s Nut Gone Flake (1968, Immediate) aportarían su visión psicodélica del momento.
Desde Estados Unidos el término psicodelia se había ido acuñando gracias al Folk de The Holy Modal Rounders. La Generación Beat y la Invasión británica ahondarían en este sonido, sobre todo de la mano de los propios Beatles y de The Yardbirds. El Rock empezaría a cambiar vía Grateful Dead, The Byrds ya habían publicado sus tres primeros álbumes, Love tenían su álbum de debut en la calle, Jimi Hendrix llevaba algunos años dando guerra y en breve publicaría Are You Experienced (1967, Track) y Axid: Bold as Love (1967, Track) y The Doors se preparaban para publicar el suyo en 1967.
En el mismo año que The Beatles publicaban este álbum, The Monkees buscaban adelantarles en éxito con Headquartes (1967, Colgems Records), el cual estuvo en el número uno sólo una semana y después se vio desplazado al puesto número dos de la lista estadounidense durante 11 semanas seguidas.
Mientras en las Islas Británicas la banda sonora de The Sound Of Music (Sonrisas y Lágrimas) dominaba la recta final de 1966, volviendo a superar a Revolver y a Aftermath (1966, Decca) de The Rolling Stones, y en 1967 comenzaba el año de la misma manera, sólo superada por The Monkees.
En este contexto, el golpe de efecto logrado por un álbum fuera de los márgenes del Rock más clásico, el que seguía bebiendo del Blues y del Rhythm & Blues y apostaba por la chulería del Rock and Roll, era toda una revolución. La música negra se encuentra con su pesadilla a nivel de ventas de forma ornamentada y de mano de una generosa orquesta. Todo estaba dispuesto para el cambio.
Grabación:
El 6 de diciembre de 1966 los cuatro fantásticos entraban en los estudios Abbey Road de Londres y hasta el 21 de abril de 1967 no saldrían con todas las tareas hechas en cuestión de sonido. Entre ambas fechas nada de giras, nada de volver a escribir canciones en los hoteles antes o después de los conciertos y sobre todo, nada de ir al estudio en una escapada de los escenarios. Ahora lo principal era grabar y tocaba cambiar la rutina de siempre.
Cinco meses de grabación para aquel entonces era una locura, cuando su primer disco, Please Please Me (1963, Parlophone), se grabó en sólo cuatro días sueltos y de esas sesiones se obtuvieron 9 horas y 45 minutos de música. Algo que contrasta con las más de 700 horas que Sgt. Pepper acumuló entre todas sus grabaciones, hecho que desde su discografía hacía temblar de miedo a los directivos de la época, fieles a su esquema de poco tiempo en estudio y rápida publicación.
Los cinco meses de estudio contrastaban también con la rutina de publicar una nueva referencia del grupo en formato single o álbum cada tres meses, porque sino desde arriba se pensaba que la gente se cansaría de ellos y que los olvidaría por otro hype del momento.
Tras la pecera y a las órdenes de The Beatles su cerebro en la oscuridad: el productor Sir George Martin, nombrado caballero del Imperio Británico en 1996 por su labor a la industria de la música y la cultura popular. El propio productor habla así de este trabajo en el libreto del mismo:
Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band no comenzó como un álbum conceptual, pero muy pronto tomó vida propia. Lo recuerdo con intensidad, como un reto tremendo y una experiencia altamente gratificante. Para mí, fue el álbum más innovador, imaginativo y creador de tendencias de su momento.
Esa primera idea recae en Paul McCartney, quien movido por su gusto por el Pet Sounds de The Beach Boys va a llevar casi todo el peso de este álbum, dejando a John Lennon en un segundo plano, quien sólo firma en solitario tres de los 13 temas del disco (‘Being for the Benefit of Mr Kite!’, ‘Lucy In the Sky With Diamonds’ y ‘Good Morning Good Morning’), y tres con Paul (‘A Day in the Life’, ‘With a Little Help From My Friends’ y ‘She’s Leaving Home’), mientras que George Harrison aporta uno (‘Within You Without You’), dejando a McCartney el protagonismo en los otros seis restantes.
Con este esquema la banda empieza a pensar en su disco “secreto”, con el que se ocultarían bajo el pseudónimo de Dr. Pepper pero al final los motivos legales (en Estados Unidos existe una bebida con este mismo nombre) y por la lógica del mercado, ya que en seguida se descubriría que eran ellos quienes se ocultaban tras cualquier identidad ficticia, McCartney y compañía apostaron por Sgt. Pepper y toda la temática militar que rodeaba al nombre, el cual McCartney eligió por su longitud y su gusto por los nombres largos del Rock californiano del momento.
The Beatles y George Martin buscan cambiar todo, incluido la dinámica de producción, lo cual pasaba desde incorporar una orquesta de nada menos que 41 instrumentos hasta llevar las sesiones de grabación en secreto, nada podía salir de ahí antes de que se publicase el álbum, había que guardar el secreto puesto que todos sabían que tenían una bomba entre manos y no querían que nadie se les adelantase.
Los instrumentos y sonidos que se usaron para grabar Sgt. Pepper fueron numerosos y muy diversos. Según enumera Jim Irvin en la entrevista que hizo en marzo de 2007 a Sir George Martin para la revista Mojo:
Una orquesta de teatro, cuatro trompas, un clavicordio, un órgano Lowrey, una tambura, un arpa, un string octet, un calíope, un acordeón, una selección de clásicos instrumentos indios, un trío de clarinetes, unas campanas tubulares, un extraño combo y una orquesta formada por 41 instrumentos.
La influencia india aún no se había ligado tan fuerte con la figura del gurú hindú, Maharishi Mahesh Yogui, de quien Keith Richards declararía:
Mick se fue a ver al Maharishi, y yo pensaba: “Uuuh, no veo muy clara toda esa mierda”. Estoy bastante orgulloso de no haber ido nunca a besarle los malditos pies al Maharishi. Si no lo hubieran promocionado tanto (sobre todo los Beatles), tal vez la cosa no hubiera alcanzado unas proporciones tan demenciales. Supongo que tenía que gustarte la motivación básica que había detrás. Pero la cantidad de gente a la que tomaron el pelo….
Pero aún así, seguía en auge gracias, sobre todo, a George Harrison, amante de este tipo de sonidos, como después demostraría en el concierto benéfico Concert for Bangla Desh (1971), y en los que se había introducido por David Crosby, guitarrista de The Byrds, en la gira estadounidense de The Beatles en 1965, donde descubrió la música de Ravi Shankar y aprendió a tocar el difícil sitar indio gracias a un viaje a India donde conoció a dicho artista, quien le enseñó su arte.
Pero había un problema con todo este tipo de instrumentos y sonidos: ¿cómo iban a ser grabados? Los estudios de EMI no estaban tan avanzados como ahora puede imaginarse uno, más bien eran pobres en medios, pero el equipo de George Martin y compañía se las ingeniaron para a través de dos cuatro pistas conseguir capturar el sonido de las grabaciones (los ocho pistas no llegarían a estos estudios hasta finales de 1967). Uno de estos cuatro pistas sería reservado para la banda y el otro para la orquesta; técnica que hasta el momento no se había utilizado.
De esta manera surgía el problema de grabar al mismo tiempo ambos sonidos, tarea que llevó a cabo un jovencísimo segundo ingeniero de sonido de 19 años llamado Richard Lush, el cual cuenta en el mismo número de Mojo citado antes:
Había un punto determinado en cada una de las cintas que habíamos señalado con un lápiz amarillo. Mi dedo tenía que golpear cada máquina al mismo tiempo y ellos tenían que ir a la misma velocidad, algo que no solían hacer. Cuando lo habías capturado bien, era, ‘Rápido, Geoff [Emerick],hay que mezclarlo ya.
Así fueron surgiendo las grabaciones en secreto, con habitaciones separadas para recibir a las visitas y órdenes estrictas de cuando viniese alguien no invitado por la banda, la reproducción de las cintas se pararía en seco para que ningún sonido se escapase de ellas.
La manera de plantear la grabación de estos temas había incrementado su gusto por la reverberación, los ambientes y atmósferas de cada tema, así como los sonidos exóticos que pueblan este trabajo; en gran parte deuda de la búsqueda de Geoff Emerick, el ingeniero de sonido jefe en el estudio.
Me di cuenta que estaba siendo diferente desde el principio, con ‘Strawberry Fields Forever’. Para mí ese tema abrió un nuevo campo de sueños. Paul tenía las ideas muy definidas sobre sus canciones – él solía venir y grabar en bruto versiones donde él tocaba todo; pero John tenía ideas complejas que nunca podía organizar – él no podía cambiar una bombilla. Lo vi como un reto. Mi trabajo era meterme en el cerebro de John, encontrar lo que él quería y entregarlo.
All you need is love no es cualquier canción. Fue creada por John Lennon y Paul McCartney para la primer transmisión satelital en vivo que se hizo en el planeta. Imaginen a los Beatles pensando en el mensaje que debían dar al mundo en aquellas jornadas, inaugurando una nueva tecnología que los ponía por primera vez en la historia al alcance de tantas almas en forma simultánea…
Todo lo que necesitas es amor! Muy Potente… Mientras el mundo enloquece en una carrera que puede llevarlo hasta la autodestrucción (y que todavía no termina) todo lo que necesitas es amor!
Hace unos días que venimos publicando una serie de videos musicales a través de nuestras cuentas de Facebook y Twitter. Creemos que está bueno que la comunidad de RedPanal puedan escuchar bandas y artistas que movilizan ideas que reivindicamos, como la libertad, la solidaridad, el compromiso con el ser humano.
Por eso, hoy queríamos embeber All you need is love, queriendo continuar el espíritu con que los autores hicieron esa primera transmisión satelital. Más modestos, claro, pero con la inédita potencia de internet de nuestro lado.
Despreciable sorpresa! YouTube nos avisa que este video fue removido por una reclamación de EMI sobre Copyright. Nos parece detestable amputar la cultura y el arte de esta manera. Derechos de Autor? Acaso Lennon les está pidiendo esto? McCartney? Parece que es simplemente la misería de las corporaciones… Todo lo que necesitan es amor!!
Por suerte, internet es un torrente un tanto imparable… Mientras dure, pueden seguir disfrutando del tema… En YouTube! Jajajajajajjaja….
