Laboratorio de destrucción sonora

Capítulo 2

Imágenes Fernando Molina

ESTAR CONECTADOS

Sistemas y subsistemas

Recuerdo la experiencia de tocar una guitarra Ovation que pertenecía a mi tío Adrián, a quien debo en gran parte mi fascinación por la música variada en estilos, por el rock argentino e internacional y la música que marcó los años 60 a 90. La casa de mis tíos estaba en el barrio de Villa del Parque, y entre muchas  piezas tenía una muy especial, la pieza donde aprendí que es la escucha.

No era un lugar muy complejo, había poco. Pocos objetos. Pocos muebles. Poca decoración. Una ventana, si mal no recuerdo alfombra algo azulada clara, y durante un buen tiempo, cuando esperábamos el nacimiento de mi primo Nicolás, una cuna o algo así, sobre la que nos recostábamos para escuchar discos de vinilo. Ese era el fin del espacio inmaculado recortado en mi memoria, que debo admitir flaquea bastante.

Mi tío cada tanto se levantaba, corría la púa con un gesto dulce, guardaba el vinilo en el celofán y luego en el sobre, elegía otro disco y volvía la rueda, después de un tiempo mi hermano Sebastián y yo caíamos dormidísimos, derrotados por esa sensación de la música inundándonos.

Al lado de esa pieza, había una muy pequeña, no había casi lugar para entrar, por un lado un mueble antiguo de alguna tía de la familia y por el otro un tablero de dibujo técnico, entre las dos cosas quedaba un pasillo del ancho de una silla, ni más ni menos, lo necesario. El mueble era otro cofre, dentro guardaba su amplificador japonés Teiko, una pedalera multiefectos, y la Ovation que para la época era como tener la nave en la que viaja Luke Skywalker cuando va en busca de Obi-Wan Kenobi. Era un mundo fascinante para un pibe de 9 años. Una guitarra con un cable que conectaba a la pedalera de efectos, desde ahí otro cable conectaba al amplificador, que tomaba la energía de los 220 wats del tomacorriente. Jugando horas, pisando pedales y girando perillas, sin saberlo hacía mis primeras conexiones de audio y mucho barullo[1].

[1] Ruido, desorden. Del lunfardo, jerga linguística de la zona orillera de la Ciudad de Buenos Aires y algunas otras como Rosario y Montevideo (Uruguay).

Conexiones 1×1. Un esquema básico

Centrándonos en el audio, esa maravilla que llega a nuestros sentidos viajando por circuitos y cables, un sistema de audio. Otro día nos detendremos en esto, pero por ahora citemos al neurocientífico Diego Golombeck que lo resume así:

Una definición funcional de sistema sería la de un conjunto formado por dos subconjuntos: uno de partes y uno de relaciones”.

Diego Golombeck

Pensemos un sistema simple, lineal en principio, con sus partes y sus relaciones en una única dirección, o sea en serie. Se me vienen a la cabeza varios:

  • guitarra eléctrica – cable – amplificador[2]
  • celular – cable – auricular
  • consola – cable – parlante

[2] Un amplificador es receptor de señal y luego emisor del procesamiento de dinámica de esa señal, toma una señal de audio y la hace más grande. para devolverla a través algunos claves a un parlante que emitirá la nueva señal acústica final.

Que podríamos leer como:

  • emisor – medio – receptor

En todos estos ejemplos el medio es quien relaciona las partes, quien las conecta, en que dirección y de que forma lo hace. En audio analógico esas conexiones, salvo los circuitos internos y otras excepciones, se llaman “cables”, y en audio digital “ruteos” o “encadenamientos”.

A su vez como pasa con la vida y sus universos, todo sistema puede contener sistemas dentro de sí. Por ejemplo, el emisor “guitarra eléctrica” es en un sistema sumamente complejo, un subsistema en si mismo formado por: cuerdas, micrófonos, maderas, electrónica, y el músico que lo ejecuta (con toda su complejidad personal encima), un subsistema formado por un factor humano (músico/a/e) , una señal acústica (cuerda vibrando) y una señal de audio (desde la captación electromagnética del micrófono a la salida del circuito, el jack de conexión donde enchufamos el cable). Incluso el cable que usamos para conectar, algo tan simple como eso, es un pequeño sistema lineal de: entrada (ficha de entrada) + medio (cable) + salida (ficha de salida), y ni hablar del “amplificador”, el gran mesías del audio! Que seríamos los músicos amplificados sin amplificadores? Solo quedaríamos resumidos al silencio, a una vida sin rock!

Si pensamos en audio digital (DAW por Digital Audio Workstation). Esos programas que utilizamos para hacer la música en la era digital y nos permiten grabar, procesar, editar y reproducir como si fuera algo similar a una mesa de grabación o parte de ella), algunas de las conexiones más simples son:

  • entrada   – ruteo   – salida
  • canal – proceso en serie – master
  • señal de audio – dispositivo de ecualización – señal de audio procesada

Ahora volvamos al mundo analógico. Una vez comprendida la conexión básica y solo con esos tres elementos podemos complejizar el sistema de innumerables formas. El primero que se me ocurre seria un encadenamiento:

  • emisor   – medio   – receptor/emisor – medio   – receptor
  • guitarra – cable – pedal de FX – cable – amplificador

En este caso nos damos cuenta que aparece un nuevo tipo de dispositivo el receptor/emisor, aquel dispositivo que por lo general realiza algún tipo de proceso pero que tiene tanto la propiedad de recibir como de dar señal, siempre dependiendo de cual sea la complejidad del sistema y la cantidad de conexiones, un dispositivo puede cumplir alguna de las tres funciones: emisor, receptor o receptor/emisor.

Cuando empezamos a correr los límites para los que fueron pensado los dispositivos, como por ejemplo subir el volumen de un amplificador al mango[3], podemos encontrar como una señal de salida nunca es igual a la señal de entrada, siempre por más ínfima que sea existirá una modificación, incluso muchos dispositivos como el amplificador si se los esfuerza aún sin estar recibiendo una señal de audio en su entrada, tendrá una señal de salida, que de alguna manera puede convertirse en un emisor, una fuente sonora, un instrumento musical o al menos el componente inicial de una hermosa textura sonora[4]; ruido originado por al tipo de conexiones internas y componentes, y por estar conectado a un campo eléctrico gracias al cable de la fuente, el que enchufamos al tomacorriente de la pared.

[3] A tope, máximo.

[4] El ruido de los dispositivos, principalmente en el mundo analógico y en el digital basado en este tipo de procesos, la parte que los fabricantes no esperan que el músico escuche, esa especie de suciedad de fondo de radio antigua o tv desintonizada, ese ruido es algo de lo que trato de disfrutar siempre que puedo, algo de eso me trae calma a niveles de volume no tan extremos.

Una cadena de conexión puede ser realmente extensa y compleja. Veámoslo en algo bastante cotidiano: un músico tocando en una sala de concierto con amplificación. Lo haremos en una forma lineal del proceso, en “serie”, uno detrás del otro, primero viendo el sistema integral básico y luego uno que contenga detalles de cada subsistema:

Circunstancia del fenómeno sonoro: guitarrista eléctrico en un concierto en un bar

Sistema simple:

  • guitarrista  – guitarra – cable – pedal de FX – cable – cabezal de amplificador – parlante – aire – público

Sistema complejo:

  • cerebro  – manos – cuerdas – micrófonos – volumen del micrófono –   salida del circuito de guitarra – cable – entrada al pedal de FX – tipo y nivel del procesamiento – salida del circuito – cable – ganancia o entrada al circuito amplificador – sección de ecualización  – volumen o salida del circuito – cable interno – entrada de señal de audio del parlante  –  bobina del parlante y campo magnético –  bocina o cono –  aire –  reflexiones primeras  –  otras reflexiones de la sala – público

Los sistemas y sus subsistemas, este fascinante fractal de universos y munditos, me llevan a pensar la maravilla de los ecosistemas que perpetúan su existencia gracias a ser un organismo integral. A pensar en quedarnos tranquilos y lo bueno q es no estar tan solos, necesitar del otro sujeto/objeto, el deber relacionarnos  consciente o inconscientemente. De tener la necesidad del otro como proceso constructivo de la propia identidad. Nos somos en función del contexto, del entorno que rodea nuestro hacer. Si somos sonido, somos a su vez el espacio que lo abraza y contiene, el aire que bate con sus moléculas meneándose a hurtadillas de la mirada, generando presiones que harán crepitar las hojas, o temblar un edificio.



Laboratorio de destrucción sonora

Imágenes Fernando Molina

Capítulo I

ENTORNOS

La música es un mundo reconstruido, un cúmulo de ordenes y desórdenes en tiempo y forma, atravesado por fenómenos socioculturales ineludibles, momentos históricos, historia cotidiana y colectiva. No somos por si solo músicos, ni guitarristas, ni experimentadores, ni cantantes solistas, no tocamos la flauta, el tacuapú, los objetos, la caja, los sikus, ni las computadores y los artefactos electrónicos de sonido porque se nos ocurrió en un acto de estrellato como una perla única, como islas creadoras naciendo de la nada, un bigbang de creatividad individual y fuera de contexto, nada es en definitiva completamente nuevo ni diferente, todos devenimos de otros y somos en parte resultado del contexto, productos de una argamasa de causa-efecto entre el entorno, los sentidos y nuestra respuesta.

Me gusta pensar el entorno desde muchos ángulo: el sociocultural y político, el histórico, las creencias de época entre una infinidad de posibilidades, pero cada especialidad también posee su propio entorno, con lenguajes y formas que la caracterizan son derivados de la conjunción de estos modos de comportamiento.  Estos elementos a su vez devienen de otros entornos, así como una especie de matrioshka, o mejor aun como “la flor de la vida”, esa figura geométrica formada por círculos y círculos y más círculos que se entrelazan y conectan. Según desde donde queramos o podamos pensar la situación hay multitud de entornos encadenados y encapsulados continuamente retroalimentándose, fagocitándose, multiplicando y disminuyendo sus propios ecosistemas y alterando de alguna manera los sistemas más cercanos.

Entonces creo necesario pensar un entrono concreto o cercano, aquel que rodea y construye una espacialidad y un tiempo determinado en el aquí y ahora, una ventana temporal que puede durar desde un fragmento mínimo a horas, días, meses, la ventana temporal que termina definiendo y conformado todo lo que rodea una situación, que puede ir desde elementos medibles, como sala, objetos, tratamiento acústicos del espacio, condiciones físicas generales en el momento de hacer la cosa, percibir la música, el sonido, las distancias a recorrer, el tiempo a transitar.

A su vez no podemos pensar la existencia de este entorno sin el sujeto que lo piensa y actúa sobre él -gran dilema que podemos dejar a las científicos cognitivos pensando la cerebro desde el cerebro mismo-, pero retomando la línea…, este sujeto que acciona, presenta y es parte constante del entorno concreto, lo hace a partir de su individualidad y del estado de su ser, que a su vez se ve influenciado siendo y haciendo partícipes a otros sujetos, compañeros de dicho momento y acción, público, el que vende los tragos, el que nos maldijo a la mañana mientras tomábamos el café, o el que sube y baja el volumen –con este tipo de sujetos los músicos solemos ser un tanto sensibles-, cada sujeto nuevo conllevan su propio entorno individual, su mundito, y será una presencia ineludible del entorno.


Nuestro contexto

El entorno sonoro-musical también debe ser contextualizado, la idea de la música o la idea del sonido conllevan en si misma construcciones pensantes de miles de años, grabadas y regrabadas continuamente en nuestro disco rígido informateable en estados normales. Ese contexto más bien podemos pensarlo como un “contorno”, un elemento agrupador, creador de un todo mayor a uno, un organismo normado por la educación constante formal e informal, los gustos de nuestros padres, las referencias verbales y físicas sobre elementos sonoros, el famoso “ese ruido molesto” y “la gran música” [1], la fonética del lenguaje hablado, lo que consideran los cercanos como ajeno o perteneciente a ese contexto y la propia construcción del individuo


[1] Estas expresiones verbales existen a montones y son parte de la formación que hemos tenido, de las barreras que miles de años después aun tenemos la posibilidad de romper. El sonido existe, antes que los seres humanos y sus sociedades, estas dieron lugar a un orden de ellos para crear la que derivó con el tiempo en formas musicales y expresiones sonoras como el habla, algunas de ellas, principalmente las que pertenecieron a grupos de poder fueron relevadas a una supuesta categoría de sofisticación y especialidad, algo poco alcanzable para el burdo pueblo no formado en estas huestes, y desde ahí cumplieron la función disciplinadora, la determinación de lo que está bien y es mejor, del premio, de lo único, de aquello que el ser común no alcanzará, un mito con total vigencia creado a los gustos de la dominación. Toda etnocentricidad carga con esto, todos cargamos; liberarnos de esa idea es sanador, es como purificar el oído después de mucho bullicio. Y hacer músicas extrañas, experimentales y poco usuales, de vanguardia si es que así podemos llamarlas, tampoco está a salvaguarda de este pensamiento.


Así mismo como cualquier organismo el entorno sonoro-musical puede pensarse desde lo macro y lo micro. Por ejemplo para hacer música dentro de una estructura particular, digamos una chacarera [2], necesitamos tener mínimos conocimientos de sus elementos principales como forma, cadencias típicas y resoluciones, estructura armónico-melódica -que en este caso al día de hoy y la popularidad de la misma podríamos decir es cuasi-infinita-, noción del ritmo, la respiración, etc; manejando esos elementos con cierto criterio suponemos poder hacer música que suene a chacarera, pero según quien haga la apreciación, el/la escucha de esa expresión podría pensar que no es una “chacarera” por muchos motivos, su instrumentación roquera o que la están tocando con una vibráfono o una balalaika, podría suponer este/esta escucha muchos cuestionamientos al escuchar la expresión “no es chacarera” o “chacarera son las de antes”, pero esencialmente lo que prevalece es que no se parece a aquello que en la  concepción del que hace la crítica si lo es.

[2] La chacarera es una de las formas musicales y danza tradicionales de argentina, de gran actualidad y con infinidad de variantes, deviene en su estructura rítmica conjunción de ritmos ternarios afroamericanos en donde el 6/8 y el 3/4  se entrelazan con frases musicales de 4, 6, y 8 compases generalmente. Estas pueden tener letra y ser cantadas y por la estructura silábica y de verso característica es la copla. 

La música surgida desde la oralidad se caracteriza principalmente por el ritmo y su respiración o cadencia en la acentuación armónico-melódica, musical, el adelantarse y retrasar los tiempos y acentos mínimamente, eso que realizan muchos músicos y de donde emerge la sensación de una respiración conjunta, una vivencia de lo sonoro ejecutado por humanos desde una raíz tradicional y oral-vivencial, poco transferible por la escritura, ese todo orgánico, ese “groove”.

Entorno y experiencia I

Me gusta detenerme en algunas sensaciones, escuchar el sonido de fondo de un paisaje y esas cosas. Siento que desde hace unos años cuando empecé a adentrarme muy profundamente en el sonido de una manera más consciente, mi entorno creció, hoy escucho más cosas que antes, no se si más música pero sí más cosas. En este momento hay unos pájaros a lo lejos por fuera de la casa, la casa no es mía,  estoy vacacionando en la costa atlántica de mi país, ahora escucho un “bicho feo”, un crujir del motor de la heladera que esta cayendo lentamente, un vecino pone reggaetón, las teclas de la maquina en la que escribo tienen el compas de mis letras, se detienen cuando dudo y avanzan si no pienso y solo escribo, escribo, escribo, cada pensamiento tiene un ritmo en si, mi hija y sobrina bajaron la escalera, pasos, un celular con videos de youtube que nunca llegan a su fin, es parte de mi entorno diario de hijos pequeños, siguen los pájaros, y hay una resonancia al fondo de todo esto, es lo que llega del mar 5 cuadras abajo, un poco de viento, algunas voces y más pájaros. Por momento todo esto es un solo sonido, por momento se ve fragmentado por mi escucha, por momento el “enmascaramiento acústico” a quien le debemos tanto!! Me salva de no perder la concentración en lo que escribo.

El sonido es más aun que la vista, al dormir cerramos los ojos, detrás de los párpados la retina en la oscuridad carece de la visión, mas el cerebro reconstruye ciertas imágenes entre un ojo y otro, pero los oídos…, la audición no tiene fisiológicamente una barrera, un elemento de clausura natural y orgánico, un párpado de oído, por lo que aun mientras dormimos seguimos escuchando, quizá a este sistema de permanencia de la audición prescindible del ver y al del olfato y el tacto le debamos la subsistencia en gran parte de las especies animales. Pero a lo que me importaba y de lo que venia es que el entorno sonoro es infinito, y no tenemos posibilidades biológicas que nos permitan habitar en el silencio.

Consiente o inconscientemente elegimos que escuchar convirtiendo el entorno en una escucha selectiva, una experiencia sonora determinada por este y nuestra percepción, una “escucha compositiva”

Entorno y experiencia II

Hace un tiempo me mudé a las afueras de la Ciudad de Buenos Aires, en la localidad de Caseros, a media cuadra de una cancha de Golf, desde hace 2 años q el boulevard que va de General Paz al Golf está en una refacción bastante inútil y poco fértil -más política que otra cosa-, y colocaron unas rejas valladas.

Durante las noches pasaba por ahí. Tuve varios años mi taller de construcción de guitarras en el barrio de Floresta y ese es el camino más rápido para llegar a casa. A la vuelta de cada jornada de trabajo pasaba con mi auto, de nochecita cuando el aroma a fresco del campo de golf penetra mi ventana y inundaba, bajaba la ventanilla del lado de conductor y disfrutaba. A medida que uno baja la ventanilla de un auto se genera un filtro debido a las diferencias del espacio encerrado u sus frecuencias graves y al exterior. En esas noche tenía un juego sonoro, mover el levanta vidrios como si fuera la perilla de un sintetizador. Mientras con las rejas del lado del conductor escuchaba como el avance del auto generaba un ritmo; las rejas estaban dispuestas de cualquier manera, sin un orden estricto pero todas compartían la misma forma y longitud, cada tanto entre una y otra se habría una brecha, un espacio, un agujero, una puerta al silencio q no es silencio, esto daba como resultado que el filtro cambie, y sonora algo así como zum-zum-zummmmummmm-zum- (      ) – zum.

Cada tanto pienso en hacer una gran instalación con recorrido en auto, basada en este sistema de filtros, crear un recorrido vallado que permita la escucha del entorno como una composición específica.


SUDAMERICA EXPERIMENTAL – Buenos Aires 2010

SUDAMÉRICA EXPERIMENTAL EN BAIRES

Viernes 11/06:

De 14 a 17 Hrs:
Presentación SUDAMÉRICA EXPERIMENTAL
Charla abierta
Participan: Chimbalab, Laboratorio de Juguete, Los Aparatos,
Panetone, Productora Mutante, Oficina de Sonido.

UNTreF – Sede Centro Cultural Borges
Viamonte esq. San Martín 3er piso – Aula 02

Ya pasaron talleres, charlas y performances. Quedan pocos días del encuentro y estas son las últimas actividades:

PERFORMANCES:

Viernes 11/06:
21:00 Hrs – Una Casa – Humberto 1ero entre Bolívar y Perú – San Telmo
LA GOLDEN ACAPULCO / EPIREF / MY3YEAH / XEGOVIA

Sábado 12/06:
19:00 Hrs – Federación Libertaria Argentina – Brasil 1551- Constitución.
ESCUPEN SERPIENTES / TAIA / PANETONE / LA GOLDEN ACAPULCO

23:00 Hrs:

h.cosas vs. Los Aparatos (feat. Chimbalab)
Fiesta Sintomática – CC Zaguán al Sur- Moreno 2320

DOMINGO 13/06:

16:00 Hrs.
Taller DESOLDER (a cargo de Sudamérica Experimental)
Trabajaremos toda la mañana reciclando componentes electrónicos de artefactos en desuso, estudiaremos sus funciones y compondremos colectivamente un nuevo dispositivo a partir de los materiales que se reunan.
Vení a destruir, desoldar y recomponer, trae tus placas, radios, teles, impresoras, tu soldador, tu estaño, tu chupaestaño y tu tester, tus miguelitos, tu pasamontañas y tus boleadoras. En La Vecindá (solicitá dirección por mail)
Valor: Contribución Voluntaria

Al término de Desolder:
Sudamérica Experimental Ensamble en vivo


Los últimos TALLERES en el Laboratorio de Juguete (Almagro):
  • SÁBADO 12:

15 a 19 hs. TALLER DE CONSTRUCCIÓN DE ATARI PUNK CONSOLE

La ya clásica consola Atari Punk es un generador de tonos por pasos que hará las delicias de los amantes del ruido electrónico!

a cargo de CHIMBALAB
Valor $80 (todos los materiales están incluidos excepto batería 9V)
  • LUNES 14:

16 a 22 hs.Taller de construcción de OSCILADORES y miniAMPLIFICADOR

Basado en el libro «Música Electrónica Hecho a Mano – El Arte de Hardware Hacking», vamos a construir un oscilador de onda cuadrada controlado por luz de hasta 06 voces de polifonía, con su propio miniamp.

a cargo de PANETONE
Valor $90 (Todos los materiales están incluidos excepto batería 9V. y speaker)
  • SÁBADO 19:

14 a 20 hs. Taller de CIRCUIT BENDING

Traé tu juguete electrónico sonoro y despertá al monstruo que vive en él

a cargo de LABORATORIO DE JUGUETE
Valor $80 (Incluye kit de componentes electrónicos – Traer juguete/s con sus pilas)
mas info?
4864-0466
15-6749-5664

 

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Fwd: Sudamerica experimental – Charla abierta Viernes 11- 14 hs. en UNTreF (CC Borges)

 

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Matías Lennie

para usuario

mostrar detalles 09:13 (1 hora antes)
Para el blog negro. Tambien se me ocurria que podria ir un «especial» fulbito con Hermeto y su gol relatado, los piojos y Mano negra con Maradona y alguna cosa mas. Un idea nomas.
Salu y vamos Argentina, carajo!

 

———- Mensaje reenviado ———-
De: h.cosas <h.cosas@gmail.com>
Fecha: 10 de junio de 2010 21:10
Asunto: Sudamerica experimental – Charla abierta Viernes 11- 14 hs. en UNTreF (CC Borges)
Para:

 

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De 14 a 17 Hrs:
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Charla abierta
Participan: Chimbalab, Laboratorio de Juguete, Los Aparatos,
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Ya pasaron talleres, charlas y performances. Quedan pocos días del encuentro y estas son las últimas actividades:

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El futuro de la industria discográfica según Thom Yorke (Radiohead)

Thom Yorke, productor musical, guitarrista y cantante de la banda británica Radiohead, asegura que la industria discográfica está dando sus últimos manotazos de ahogado y que sufre una agonía irreversible. Vaticina el final de los modelos de comercialización de la música tradicionales de las grandes firmas de la industria discográfica y dice que «es cuestión de meses y no de años». Dice que el modelo actual «se está muriendo» pero que «no supondrá una gran pérdida para el mundo».

Desde que la noticia circula, últimamente, se han cansado de catalogar a Yorke como abanderado de una visión pesimista de la industria discográfica, cuando en realidad bien podría ser el caso inverso. El optimismo de York en función de dicha industria se basa en la  apropiación de nuevos modelos de comercialización arrastrados por la ola de las nuevas tecnologías tanto en el ámbito musical (mejores equipos, más potentes y más accesibles económicamente) como el campo de la difusión y distribución de dichos contenidos.

No olvidemos que luego de cortar su vínculo con la firma EMI, en 2007  Radiohead lanzó su séptimo disco (doble), llamado «In Rainbows», a través de internet con un sistema de descargas por el que los usuarios pagaban lo que consideraran apropiado tras escuchar el disco, y aseguran que a pesar de que la mayoría de las personas que descargaron el álbum no pagó nada por él, aún así vendieron 3 millones de copias; 100 mil boxset; 1.75 millones de copias del CD físico; 30 mil ventas a través de iTunes la primera semana; se escuchó 17 millones a través de Last.FM y el tour lo vieron 1.2 millones de personas. Además de ubicarse en primer lugar en ventas y el los charts/rankings musicales durante los años 2007/2008.

Ante dicha visión Yorke alienta y aconseja a los jóvenes aspirantes que no se fusionen ni apuesten por firmar contratos por las discográficas, ya que las considera casi obsoletas en un muy corto plazo de tiempo y que es mejor que los aspirantes a músicos «no se aferren al barco que se está hundiendo».

Fuentes: Exitoína, Radioactiva, Europapress, Ciudad.comAudioNews, Actualidad Música.

La acústica del Teatro Colón

Teatro Colón

El Teatro Colón (Buenos Aires, Argentina) es uno de los teatros de ópera más importantes del mundo por su tamaño, acústica y trayectoria. Es considerado uno de los cinco mejores teatros para la ópera por su espectacular acústica.

Comparable a La Scala de Milán, la Wiener Staatsoper , al Gran Teatro del Liceo barcelonés y la Ópera de París , es índice inequívoco de consagración y cita ineludible de quienes aman la música. El Colón ha sido desde siempre un teatro venerado por los públicos más exigentes y por los más grandes artistas.

Acústica del Teatro Colón

La sala del Teatro Colón tiene pisos de madera en la platea y en los palcos. En la platea la madera está cubierta en los pasillos de circulación y entre fila y fila con una alfombra mullida, dejando libre la superficie por debajo de las butacas, sucesión que genera un plano con una absorción pareja, pues si mirásemos la platea desde arriba sin las butacas veríamos una franja con madera y una con alfombra, una con madera y otra con alfombra, y asi sucesivamente. Como en el resto de la sala, el material absorbente no está concentrado sino que está repartido. En los palcos bajos, balcón y altos hay cortinas de adorno que se distribuyen a lo largo de toda la curva del teatro, generando difusión por alternancia de los materiales que rodean la platea. Todos los bordes o filos, como barandas y divisiones de palcos, están tapizados con una tela muy similar a la de las butacas. En cazuela, tertulia y galería el piso es de material y las butacas están tapizadas con una cuerina poco absorbente.

Fuente: Evaluación de la calidad acústica del Teatro Colón de Buenos Aires. Ianina F. Canalis, Gustavo Basso.
VI Congreso Iberoamericano de Acústica – FIA 2008. Buenos Aires, 5, 6 y 7 de noviembre de 2008 (FIA2008-A110)

La calidad acústica se establece a partir de lo que perciben los oyentes. Sus opiniones y juicios no pueden ser reemplazados, por ejemplo, con los resultados de mediciones físicas. La única manera de establecer una lista ordenada de teatros de ópera de acuerdo a su calidad acústica es realizar encuestas con oyentes que conozcan dichos teatros y analizarlas con métodos estadísticos.  Afortunadamente, este trabajo fue realizado por el célebre acústico Leo Beranek y publicado en el año 2000. Beranek y su colega  Hidaka tuvieron que buscar personas que conocieran a la mayoría de los teatros de ópera del mundo. Lograron reunir las opiniones de 22 destacados directores de orquesta, que respondieron un cuestionario sobre la calidad acústica de salas de ópera que conocían. Las calificaron dentro de una escala de cinco niveles: mala, pasable, buena, muy buena y “una de las mejores”. El resultado del trabajo se puede ver en la siguiente tabla . El Colón no solamente figura entre los mejores teatros de ópera, sino que ocupa un primer lugar bien distanciado del resto.

Preservación de la calidad acústica del Teatro Colón
Metodología

La metodología elegida para lograr el objetivo de preservar la calidad acústica del Teatro Colón se pudo dividir en las siguientes etapas:

1. Diagnóstico del estado acústico previo al comienzo de las tareas de restauración. Realización de mediciones del campo acústico en base a la norma ISO 3382.
2. Mediciones acústicas de la sala durante su desarme secuenciado.
3. Medición en laboratorio de las características acústicas de los componentes y materiales retirados de la sala.
4. Medición en laboratorio de las características acústicas de los componentes y materiales a incorporar en reemplazo de los retirados de la sala.
5. Elaboración de un modelo acústico digital para control del proceso de desarme-armado de la sala.
6. Mediciones acústicas de la sala durante su rearmado secuenciado.
7. Medición final con la sala completamente equipada y puesta en valor.
8. Comparación de las mediciones mencionadas en la etapa 1 (condición inicial) y en laetapa 7 (condición final)

Secuencia de mediciones durante el desarme escalonado de la sala

Se realizaron mediciones parciales bajo norma ISO 3382, Tiempo de Reverberación (T30) e intensidad relativa (Strength G) en platea, palcos y niveles superiores, cada vez que secompletaba un paso en la secuencia de desarme de la Sala. Dicha secuencia fue la siguiente:

* Retiro de las butacas de platea
* Retiro de las alfombras de platea
* Retiro de las butacas de niveles superiores
* Retiro de las sillas de palcos y banquetas de los antepalcos
* Retiro de los cortinados de palcos
* Retiro de las alfombras de palcos
* Retiro de los cortinados de accesos
* Retiro de las alfombras del Paraíso

Secuencia de mediciones programadas durante el armado escalonado de la sala

Mediciones parciales bajo norma ISO 3382, Tiempo de Reverberación (T30) e intensidad relativa (Strength G) en platea, palcos y niveles superiores, cada vez que se completaba un paso en la secuencia de armado de la Sala. La secuencia se realizó de la siguiente manera:

* Colocación de las alfombras de palcos
* Colocación de los cortinados de palcos
* Colocación de las sillas de palcos y banquetas del antepalco
* Colocación de las butacas de los niveles superiores
* Colocación de las alfombras de la platea
* Colocación de las butacas de platea

Fuente: Preservación de la calidad acústica del Teatro Colón de Buenos Aires durante los recientes trabajos de restauración. Gustavo Basso, Alberto Haedo, Rafael Sánchez Quintana.
VI Congreso Iberoamericano de Acústica – FIA 2008. Buenos Aires, 5, 6 y 7 de noviembre de 2008 (FIA2008-A155)

Vista 3D del Teatro Colón

Segunda entrega de Grabando en casa!

Amigos, seguimos con la segunda entrega de las notas Grabando en Casa para todos los interesados en armar su propio estudio de grabación.

¡Si a la placa ASIO. No a las Consolas!

En el número anterior vimos, por un lado, los motivos por los cuales no recomendamos el uso de sistemas cerrados como Paris Pro, Protools, etc. y por el otro, que nuestro estudio de grabación va a basarse en una PC estándar. Ahora vamos a ver qué cosas debemos agregarle a esta PC para convertirla en un estudio de grabación profesional y cuáles no.

¡Si a las placas de audio ASIO!

“Estoy usando el programa profesional que me recomendaron pero cuando quiero grabar escucho con retardo y no puedo tocar a tiempo”.“Estoy grabando en la PC pero sale con mucho ruido de fondo”. Estos son un par de ejemplos “clásicos” de dos interrogantes generados por el mismo descuido: olvidarnos del audio de la PC (léase: la placa de audio).

Las PCs estándares (ya sean Mac o IBM compatibles; de escritorio o portátiles) que usamos en nuestros hogares u oficinas y que podemos adquirir en cualquier casa de computación traen una placa de audio estándar. Esta característica es la única diferencia substancial que las distingue de las que se usan en un estudio de grabación profesional. La placa de audio de una PC estándar no ha sido diseñada para grabación de música profesional por la sencilla razón de que la inmensa mayoría de las personas las usan para Internet, reproducción de DVDs y mp3.

Entonces, para poder usar nuestra PC estándar en música y sonido profesional necesitamos agregarle una placa de audio especial. La llamamos especial básicamente por dos cosas: la calidad profesional de grabación/reproducción y la compatibilidad con ASIO. Lo primero no requiere mucha explicación lo segundo lo veremos en detalle más adelante, por ahora solamente simplificaremos diciendo que la compatibilidad ASIO es lo que elimina la latencia o el retardo.

Placa de Audio Latencia Aplicaciones Incluida en PC
Asio Cero Profesional No, comprar aparte
Tipo Soundblaster/ Creative Media Semiprofesional Si / PCI
On-board Alta Hogar/Internet Si / en placa madre

null

¡No a las consolas!

Se suele llamar consola (mezcladora, mixer, mezclador o mesa) a los aparatos que mezclan señales de audio, provenientes de diferentes fuentes, en una sola. Es decir que tienen varias entradas (4, 8, 12, etc.) mono o estéreo que confluyen a una sola salida estéreo. Las consolas son muy apropiadas para hacer sonido en vivo ya que todos los micrófonos y/o instrumentos se conectan a éstas y luego salen juntos en su justa medida o nivel de mezcla hacia un amplificador de potencia y de allí a las cajas de parlantes. En cambio son inútiles en el estudio de grabación casero justamente porque tienen una sola salida estéreo.

El imaginario popular nos dice que si una consola es para conectar varios instrumentos y una PC sirve para grabar, con la consola y la PC podremos grabar muchos instrumentos. Si bien esto es cierto, no es para nada conveniente y por ello en la práctica no se usa. Porque si grabáramos los instrumentos mezclados ya no los podríamos separar jamás para modificar individualmente sus diferentes cualidades (nivel, ecualización, paneo y efecto/s).

Dispositivo Salidas Entradas Aplicaciones
Consola Estéreo Múltiples Sonido en Vivo
Preamplficador Múltiple Múltiples Múltiples Estudio de grabación

Resumiendo: si queremos hacer un estudio de grabación en nuestra casa el corazón será una placa de audio ASIO que debemos adquirir aparte. No es necesario comprar ningún tipo de consola. Los espero la próxima para ver una de micrófonos: “¡No a los dinámicos. Si a los condensadores!”.

Podrán cortar las flores, pero no detendrán la primavera

La nota de Facundo García en Pagina 12 de hoy nos pone a muchos en alerta, mas que alertados..quisiéramos decir…despertando de las pascuas y sus huevos..estamos hasta los mismos…..asi dice la nota, compañeros:

“Esto es una parte del pasado que no es rentable”

Los aficionados que crean blogs y comparten música descatalogada son perseguidos por quienes, atendiendo a intereses diversos, se resisten a los cambios. “Me pareció que lo que yo tenía en casa no debía permanecer encerrado”, se defiende uno de los bloggers

Alejandro Molinier, el “bizarrólogo”, jura tener cien mil discos y la ilusión de instalar un museo.

La memoria colectiva no sólo se amenaza con palos y armas: a veces basta el capricho de un puñado de empresas. Los inconseguibles del rock argentino era un blog que permitía descargar discos imposibles de encontrar en el mercado. En poco más de tres años había reunido tres mil posts con innumerables archivos y reseñas. Siete millones de visitas demostraban que ahí había un aporte valioso, rebosante de comentarios y debates. Pero según cuenta Marcelo B., hace unos días que Blogger –el administrador de bitácoras más popular de la red– lo sorprendió al borrar de un plumazo su trabajo. Y lo peor es que otros espacios de rescate cultural podrían correr la misma suerte.

Ahora los inconseguibles son más inconseguibles todavía, y Marcelo analiza cómo reponerse del sopapo. “La idea es compartir y dar a conocer esos materiales maravillosos que se fueron perdiendo –cuenta–. Afortunadamente, hay una gran cantidad de gente que se sumó y que colabora enviándome lo que tiene.” El equipo incluye a aficionados, músicos y productores. Es decir que se atacó no sólo a un blog, sino a una comunidad de usuarios que estaba en comunicación permanente. Además, el bloguero no ganaba un peso, y jura haberse movido exclusivamente por “la gratificación de llenar un vacío en mucha gente”. “No quise joder a nadie –insiste–. Tanto es así que puse mi dirección de mail para que el que se sintiera molesto por la inclusión de un álbum me pidiera retirarlo y listo. Por otra parte nunca posteé discos que estuvieran disponibles en los comercios.”

Desde septiembre de 2006 el proyecto recibió muchísimos más apoyos que quejas. “¿A quién le molesta que eso esté ahí?”, se pregunta Marcelo. Y se responde: “Por supuesto que a ciertas grabadoras, a algunos ‘revendedores’ que creen tener los derechos de las obras publicadas, y a algunos ‘representantes’ de la cultura que de cultura tienen muy poco y no representan a ningún artista, pero necesitan justificar su sueldo.” Lo tragicómico es que por cada cierre aparecen tres o cuatro sitios que retoman la tarea. “Los que dirigen esto no van a lograr lo que pretenden. Hay cambios en la industria musical y habrá que asimilarlos”, avisa el melómano.

Desertificación sonora

Antes de instalarse en el nuevo paisaje digital, los grandes intereses moverán todos sus recursos para acomodarlo a su favor, poniendo los balances financieros por delante del acceso a los bienes musicales. En efecto, hace pocos meses el Congreso de la Nación aprobó una ley que extiende de cincuenta a setenta años los derechos de las compañías fonográficas sobre los discos que alguna vez editaron. Eso significa, entre otras cosas, que obras que estaban a punto de pasar a dominio público –en criollo, léase “iban a ser de todos”– seguirán en manos privadas por dos décadas más. Para colmo –lo señaló Diego Fischerman en una nota publicada en Página/12 el 21 de febrero– la norma no contempla ninguna obligación para quienes detentan los derechos, que podrán seguir encanutando placas como lo han hecho hasta hoy. Basta mencionar lo que ocurrió con La voz de la zafra, de Mercedes Sosa, que permaneció fuera de circulación durante cuarenta y ocho años porque RCA –hoy en manos de Sony– consideraba que no era rentable una reedición. Y eso es sólo la punta del iceberg. Como definió Litto Nebbia en otra columna publicada en este diario a principios de marzo, el sistema vigente hace que “el manipuleo sobre la no edición de una obra sea lo más parecido a ‘borrar un artista del mapa’”. Hasta que por hache o por be –y si tiene buena estrella– el creador vuelve a estar en las disquerías porque recobró la notoriedad. Muriéndose, por ejemplo.

Las huellas del consecuente desastre están por todos lados. ¿Cuál era la música de la Televisión Nacional chilena durante el gobierno de Allende? ¿Cómo suenan las canciones tradicionales que los judíos sefardíes grabaron en Argentina? ¿Dónde revisitar los viejos cuentos relatados por María Elena Walsh? En la mayoría de las tiendas la respuesta será el silencio o un pasito de Ricky Martin. No así en otro blog de lujo, Los que no se consiguen. Como otros consultados, Danito prefiere que lo mencionen con ese nick para no tener problemas. Y no se guarda nada. “Las discográficas grandes –dispara– jamás se interesaron por seguir manteniendo en disponibilidad álbumes que forman parte de nuestra identidad. Debería haber una ley para evitar eso.”

El tampoco está detrás del billete. “Me pareció que lo que yo tenía en casa no debía permanecer encerrado”, confiesa. En sintonía con sus colegas, pinta una imagen que está lejos del arquetípico blogger solitario. “Muchos me han hecho llegar joyas que no conocía, como un recital de la cantante mapuche Aimé Painé, de quien directamente no quedó registro discográfico. Y desde hace tres años volví a tener la sana costumbre de recorrer las casas de vinilos viejos y adquirir (a veces a precios altos) discos descatalogados para poder compartirlos.” Si bien Los que no se consiguen no ha sufrido ataques directos, sí debe lidiar con las firmas que permanentemente lo denuncian y dan de baja sus links de descarga. “Es desgastante que te borren archivos que hay que volver a subir, de discos que a ciencia cierta sabés que no se reeditaron ni se reeditarán jamás”, se enoja Danito. Ojo, que el hombre no es un activista del copyleft ni mucho menos. “Así como estamos los que compartimos discos fuera del interés de las discográficas, hay muchos que ponen discos nuevos apenas salen a la venta, y tal vez –me pregunto– el hecho de bajar esa música cree un hábito perverso”, sostiene.

Una casa con cien mil discos

La discusión sobre las descargas está lejos de haberse saldado. Mientras, el tiempo pasa y cada temporada deja tras de sí toneladas de títulos que no volverán a ver la luz. Esas perlas son las que apasionan a Alejandro Molinier, que desde 2007 hace la curaduría de Discos Bizarros Argentinos. Molinier –que también conduce un programa de radio que se llama Bizarrock y va los sábados de 17.30 a 19 por Radio del Pueblo (AM 830)– jura tener cien mil discos y la ilusión de instalar un museo. Sin embargo, como no tiene ningún apoyo, se conforma con difundir lo suyo por la web y el éter. “Después de ver la película Help! de Los Beatles –rememora– salí a rastrear discos. No sé cómo pasó, pero al final tuve que conseguir una casa entera para poder guardarlos.”

Alejandro camina atento. Cuando no hay un vecino que desecha una caja de LP, se cruza con colecciones tiradas en medio de la calle. Con esa base procura reconstituir una trama que de otro modo permanecería hecha jirones. Adjunta sus investigaciones en cada post e invita a que los visitantes escuchen una parte de su tesoro. La “Marcha de los taximetristas peronistas”, las canciones que los hermanos Borocotó le dedicaron a su madre y el pasado de Piero en La Nueva Ola pueden parecer cuentos salidos de una mente enferma, pero existen y concentran un conjunto de variables políticas, sociales y estéticas que vale la pena analizar. “No son como las grabaciones de Elvis o Pink Floyd, que uno sabe que se seguirán promocionando siempre. Esto es una parte del pasado que no es rentable y que por lo tanto tiende a permanecer sumergida. Fijáte que un disco como Juventud Argentina Peronista –de Carlos Bisso, lanzado en 1973– anticipa puntillosamente el fenómeno que hoy es Bombita Rodríguez. ¡Sólo que Bisso era un Bombita real y nadie se acuerda!”

Entre risas, el bizarrólogo adelanta que sus próximos posts destaparán a Graciela Borges cantando temas de Palito Ortega en 1965, más un disco simple que grabó Andrés Percivale en los ’70, varios de Alberto Olmedo y hasta uno de Ringo Bonavena cantando con los Shakers. Cuando recupera la compostura, se anima a arriesgar una conclusión. Desde su punto de vista, los que manejan el mercado no sienten la obligación de cuidar lo que “ya fue”. “Tengo amigos que sacaron de un container masters de verdaderos maestros. Y es un peligro que exista ese desprecio, porque a mí hace veinte años Depeche Mode me parecía una cagada y ahora los volví a escuchar y me gustan. Pero si nadie los hubiera conservado, jamás hubiera tenido la chance de revalorizarlos”, subraya.

Ver también nota sobre Alejandro Moliner en Noticias, declaraciones de Litto Nebbia

Libres de Monopolios

Se presentó el libro «Libres de monopolio…»en la sede de Comunicación de la UBA. RedPanal participó en la mesa, acá les pasamos la nota que salió hoy de Facundo García de Pagina 12. Buenísimo!!

¿Qué tienen en común las luchas campesinas, la ética hacker, los adolescentes que descargan música en la web y los investigadores de las universidades públicas? Mucho más de lo que parece.

La edición de Libres de monopolios sobre el conocimiento y la vida. Hacia una convergencia de movimientos es un intento de trazar conexiones posibles sobre esa diversidad. En efecto, la presentación que se hizo esta semana en la Facultad de Ciencias Sociales de la UBA reunió a oradores para todos los gustos. Al director de la Carrera de Comunicación, Alejandro Kaufman, se le unieron el matemático Enrique Chaparro, el activista de radios comunitarias Sebastián Vázquez, el músico Matías Lennie y el programador Nicolás Echaniz. Juntos insistieron en una advertencia: es preciso detener la ola privatizadora que se cierne sobre los bienes intangibles, esa “otra riqueza” que generan las sociedades y que abarca desde la música hasta los algoritmos, pasando por los textos educativos y el desciframiento del genoma humano.

La publicación empezó a cobrar forma en 2007, durante un encuentro de movimientos que se hizo en Costa Rica. A partir de entonces, el ida y vuelta derivó en una red de grupos que interactúa febrilmente. Y los motivos de ese apuro los dio Chaparro, que de entrada tocó el nervio de la cuestión: “Llegada esta instancia del capitalismo, ¿de dónde es posible hoy obtener más renta? De lo simbólico. Nunca hubo una apropiación de la cultura como en los últimos veinticinco años. Entonces, ya sin plazas ni clubes, hoy nuestro lugar de reunión es Facebook. Ahí sólo se participa por adhesión. No es posible discutir nada, uno adhiere a ideas preconcebidas. Y siempre se está, por supuesto, bajo el gran ojo de un hermano mayor”. La convergencia viene a ser la respuesta de los que no están dispuestos a obedecer esas lógicas. Gente muy distinta entre sí, con rutinas y costumbres a primera vista inconexas, pero con la certeza de que es preciso reaccionar. “A diferencia de lo que pasaba décadas atrás, estamos descubriendo que los que buscamos alternativas podemos situarnos por encima de los desacuerdos, porque sencillamente sabemos dónde ‘nos aprietan los zapatos’ y quiénes son los principales culpables de eso.” Desde luego, no se trata sólo de la invasión de la privacidad en Internet. Los sistemas de apropiación del conocimiento y la vida han hecho que la ley se vuelva enemiga de prácticas socialmente útiles como intercambiar saberes, recrear músicas, distribuir semillas o incluso acceder a remedios a precios populares. Cada uno de esos ejes tiene su espacio en el libro. “Lo que estamos discutiendo –subrayó a su turno Alejandro Kaufman– son nada menos que las condiciones esenciales de la vida en común.” El académico opinó que el sistema vigente no se conformará hasta medir, cotizar, vender y comprar todo lo que existe. “Como todo es susceptible de usarse para producir más capital, es eso –¡todo!– lo que está siendo objeto de la gestión del poder, sometiendo a la lógica del valor cada cosa que hay en el mundo. En ese aspecto, esta compilación viene a reseñar un cierto estado de la cuestión en temas que tienen que ver con necesidades básicas del cuerpo y el espíritu”, destacó.
pag 12
Enrique Chaparro, Alejandro Kauffman y Matias Lennie en la presentación

«Libres» aborda, con ensayos de varios especialistas, los procesos de patentamiento de plantas y semillas y la regulación del acceso al conocimiento y la cultura; así como los debates en torno de la difusión de las fórmulas de medicamentos y la apropiación del trabajo intelectual que se hace en las universidades públicas. Un arco amplísimo que, como señaló el referente de FM La Tribu Sebastián Vásquez, invita a sospechar que la llamada “lucha por la Cultura Libre” abre “la posibilidad de darnos un nuevo gran relato, porque ahí se intersectan cuestiones claves de nuestra época, desde la influencia de la ideología en la técnica hasta la soberanía alimentaria”. Matías Lennie, artista de RedPanal –un proyecto de construcción colaborativa de música libre– recalcó que Libres… significaba una actualización “urgente” para sus colegas: “Se nos viene la realidad encima y mientras no podamos entender por dónde pasa la discusión no podremos definir qué queremos”. El ala tech de la mesa también tuvo su cuarto de hora. Nicolás Echaniz es miembro fundador de Buenos Aires Libre, una red inalámbrica que pretende dar a los porteños la posibilidad de concretar todas sus comunicaciones sin depender de empresas privadas. A primera vista, el prejuicio impediría relacionar a Echaniz con luchas campesinas o aborígenes, si no fuera por su énfasis en que “sectores muy disímiles se están percatando de que hay amenazas compartidas”. “No es casual que Microsoft sea uno de los accionistas de un descomunal banco de semillas –se refería a un depósito ubicado en las islas Svalbard, en No-ruega–, o que sea propietario parcial de una minera que hace grandes operaciones en nuestro país, la American Silver. ¿Dónde se tocan estas puntas? Si uno desenrolla el ovillo, conducen precisamente a ese grupo mínimo de tipos que tienen el poder y mueven casi la totalidad de los hilos. Somos muchísimos los que padecemos a esos pocos”, apuntó.

Libres de Monopolios sobre el conocimiento y la vida. Hacia una convergencia de movimientos puede descargarse gratuitamente ingresando a vialibre.org.ar.

Primer Evento de Software Libre y Economía Social!

Primer Evento de Software Libre y Economía Social!

Será hoy lunes 22 de marzo de 17 a 21 hs en la Sala González Tuñón [1º Piso] del Centro Cultural de la Cooperación, Corrientes 1543, Ciudad de Buenos Aires, Argentina. La entrada es libre y gratuita. Está organizado por  gcoop – Cooperativa de Software Libre y el Centro Cultural de la Cooperación Floreal Gorini.

El evento tiene como objetivo difundir las ideas del Software Libre y de la Economía Social y generar espacios de debate e intercambio entre los diferentes colectivos para ampliar la sinergia entre ambos movimientos. Se realizarán charlas teóricas y de experiencias del Software Libre y la Economía Social. También contaremos con un espacio de intercambio de materiales de las distintas organizaciones que participan.

“No, no se trata de un debate técnico sino ético. El debate es sobre la libertad y la sociedad, sobre la prohibición o la posibilidad de que las personas cooperen”.

Lito Nebbia sobre la industria musical

Transcribimos una excelente nota de Lito Nebbia. Por fin músicos de referencia empiezan a plantear las cosas tal como son, con la voluntad de crear un modelo más justo, sustentable y positivo para los músicos.

Lito Nebbia

La Cámara de Diputados ha convertido en ley un proyecto que prolonga de 50 a 70 años los derechos de las compañías discográficas sobre los discos que alguna vez editaron. Y es una pena que el Congreso a veces no tenga información clara y real sobre lo que trata, porque esta ley sólo protege a las grandes compañías discográficas para que puedan seguir manipulando a su antojo centenares de álbumes de diversos géneros. Albumes que, en la mayoría de los casos, están bajo un contrato leonino en el que el artista no tiene la menor posibilidad de ver respetada su obra y mucho menos de percibir los derechos reales que le corresponden.

El artista siempre es perjudicado a través del tiempo. Cuando no aparecen reediciones de sus trabajos creativos, pierde de cobrar sus royalties discográficos. Si es autor, también se debilita el cobro de sus ingresos autorales. Pero lo más grave es que, en algunos casos, ha ocurrido que el manipuleo sobre la no edición de una obra es lo más parecido que hay al término “que te borren del mapa”.

Pensemos: el artista no tiene disco para trabajar, tampoco lo tiene para que siga vigente su obra, y si llega a reclamar que lo liberen, tampoco le permiten publicar su trabajo. Ni siquiera digo, a estar altura, pedirles que te devuelvan un master: aquí se trata de una verdadera Máquina de la Inconveniencia.

Puedo citar detalles de mi caso personal: a mis 17 años firmé contrato con la legendaria RCA como integrante de mi grupo de adolescencia, Los Gatos. Hasta hoy esos álbumes llevan vendidas millones de copias. Pero nunca podremos saber exactamente el número, porque la compañía discográfica, que sub-edita a través de casas sucursales que tiene por todo el mundo, jamás hace una rendición de cuentas fuera de tu país de origen. Tengo ediciones de mis discos en Estados Unidos, Venezuela, Bolivia, Uruguay, Chile, Costa Rica, Brasil… Y, de este modo, jamás he cobrado un centavo. Los Gatos éramos número 1 en ventas en casi toda América latina. Lo mismo pasó con mis primeros discos como solista. Hay canciones que han estado varias semanas en los primeros puestos de otros países, y jamás me las liquidaron.

Mientras va transcurriendo el contrato leonino que firmó, uno siempre está ocupado y entusiasmado con el siguiente disco, y piensa que finalmente todo se va a solucionar. Por eso no se litiga oportunamente. Además, ¿cómo desconfiar de la gente que está tan interesada en nuestra música? Pero cuando el contrato termina, y uno queda libre de grabar para esa compañía, es cuando comienza el mayor atropello.

Cuidado: estoy refiriéndome exclusivamente a hechos que ocurren en el ambiente de nuestro país. En Estados Unidos, cuando algunos artistas terminan su contrato, la compañía sigue permanentemente reeditando su obra y cuidándola. Ni qué hablar si es un artista que continúa en total actividad: sigue manteniendo relación con la compañía anterior, sencillamente porque el cuidado del material grabado es algo que les compete y conviene a ambos.

Jimi Hendrix

En nuestro país hay un anecdotario lleno de historias donde un gran artista, uno de esos que le ha hecho ganar muchísimo dinero a la discográfica (y soy uno de ellos), trata de comunicarse con la compañía para una consulta o reunión, y ni siquiera lo atiende la secretaria de algún ejecutivo. Terminado el contrato, hay un cese de relaciones. Entonces comienzan a ocurrir atrocidades como cambios de portadas, equivocaciones en los créditos, mala masterización de los álbumes, hasta llegar a un par de sucesos que me parece bueno contar.

Varios años atrás, la compañía que tiene derechos sobre los discos de Los Gatos publicó un casete de regalo dentro de una caja de las hamburguesas Paty, que se vendía exclusivamente en los grandes supermercados. Así como lo están leyendo. Lógicamente incluía el tema “La balsa”… O sea que no sólo se hartaron de ganar dinero, y mal pagarnos derechos durante 40 años, ¡sino que ahora hacen un negocio hasta con las carnicerías!

Luego de esto, durante un verano de esos en que ya no saben qué inventar para vender boludeces en la playa, publicaron un CD remix de temas clásicos de los años ’60. No podía faltar nuevamente “La balsa”. Esta vez a nuestra grabación original le sumaron pitos y matracas, gente haciendo algarabía y una cantidad de basura que es una falta de respeto para una grabación que es un hito para la historia de la música popular argentina.

¿Existe alguna ley en nuestro país que pueda corregir o no permitir que sucedan este tipo de cosas? Por supuesto que no.

¿Qué desearíamos más los artistas que el hecho de que la vieja compañía discográfica donde registramos nuestros primeros éxitos sea la que siga desarrollando el material (con un contrato legal y razonable), y en el caso de artistas con larga trayectoria, llegar a un acuerdo donde el paso del tiempo y los cambios tecnológicos de los productos no terminen resultándonos perjudiciales?

Muchas veces en reportajes me preguntan qué pienso de la piratería y por supuesto que no estoy de acuerdo con eso, ni con nada que signifique robar. Pero, ¿cuál es mi lugar como artista, cuando por un disco que se vende de Los Gatos percibo cuatro centavos? La piratería no me hace nada, si sólo pierdo 4 céntimos…

Cuando estábamos a punto de celebrar el 40º aniversario de nuestro grupo y de la grabación de “La balsa”, mantuve reuniones con ejecutivos de la compañía que tiene el derecho de explotación (nunca mejor usado este término) de nuestros discos. Asistí con la propuesta de revisar ese tramposo contrato que firmé a mis 17 años. Lógicamente nunca nos pusimos de acuerdo. ¿Cómo ponerse de acuerdo con gente que desprecia la música?

Industria Musical