SUDAMERICA EXPERIMENTAL – Buenos Aires 2010

SUDAMÉRICA EXPERIMENTAL EN BAIRES

Viernes 11/06:

De 14 a 17 Hrs:
Presentación SUDAMÉRICA EXPERIMENTAL
Charla abierta
Participan: Chimbalab, Laboratorio de Juguete, Los Aparatos,
Panetone, Productora Mutante, Oficina de Sonido.

UNTreF – Sede Centro Cultural Borges
Viamonte esq. San Martín 3er piso – Aula 02

Ya pasaron talleres, charlas y performances. Quedan pocos días del encuentro y estas son las últimas actividades:

PERFORMANCES:

Viernes 11/06:
21:00 Hrs – Una Casa – Humberto 1ero entre Bolívar y Perú – San Telmo
LA GOLDEN ACAPULCO / EPIREF / MY3YEAH / XEGOVIA

Sábado 12/06:
19:00 Hrs – Federación Libertaria Argentina – Brasil 1551- Constitución.
ESCUPEN SERPIENTES / TAIA / PANETONE / LA GOLDEN ACAPULCO

23:00 Hrs:

h.cosas vs. Los Aparatos (feat. Chimbalab)
Fiesta Sintomática – CC Zaguán al Sur- Moreno 2320

DOMINGO 13/06:

16:00 Hrs.
Taller DESOLDER (a cargo de Sudamérica Experimental)
Trabajaremos toda la mañana reciclando componentes electrónicos de artefactos en desuso, estudiaremos sus funciones y compondremos colectivamente un nuevo dispositivo a partir de los materiales que se reunan.
Vení a destruir, desoldar y recomponer, trae tus placas, radios, teles, impresoras, tu soldador, tu estaño, tu chupaestaño y tu tester, tus miguelitos, tu pasamontañas y tus boleadoras. En La Vecindá (solicitá dirección por mail)
Valor: Contribución Voluntaria

Al término de Desolder:
Sudamérica Experimental Ensamble en vivo


Los últimos TALLERES en el Laboratorio de Juguete (Almagro):
  • SÁBADO 12:

15 a 19 hs. TALLER DE CONSTRUCCIÓN DE ATARI PUNK CONSOLE

La ya clásica consola Atari Punk es un generador de tonos por pasos que hará las delicias de los amantes del ruido electrónico!

a cargo de CHIMBALAB
Valor $80 (todos los materiales están incluidos excepto batería 9V)
  • LUNES 14:

16 a 22 hs.Taller de construcción de OSCILADORES y miniAMPLIFICADOR

Basado en el libro «Música Electrónica Hecho a Mano – El Arte de Hardware Hacking», vamos a construir un oscilador de onda cuadrada controlado por luz de hasta 06 voces de polifonía, con su propio miniamp.

a cargo de PANETONE
Valor $90 (Todos los materiales están incluidos excepto batería 9V. y speaker)
  • SÁBADO 19:

14 a 20 hs. Taller de CIRCUIT BENDING

Traé tu juguete electrónico sonoro y despertá al monstruo que vive en él

a cargo de LABORATORIO DE JUGUETE
Valor $80 (Incluye kit de componentes electrónicos – Traer juguete/s con sus pilas)
mas info?
4864-0466
15-6749-5664

 

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Fwd: Sudamerica experimental – Charla abierta Viernes 11- 14 hs. en UNTreF (CC Borges)

 

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Matías Lennie

para usuario

mostrar detalles 09:13 (1 hora antes)
Para el blog negro. Tambien se me ocurria que podria ir un «especial» fulbito con Hermeto y su gol relatado, los piojos y Mano negra con Maradona y alguna cosa mas. Un idea nomas.
Salu y vamos Argentina, carajo!

 

———- Mensaje reenviado ———-
De: h.cosas <h.cosas@gmail.com>
Fecha: 10 de junio de 2010 21:10
Asunto: Sudamerica experimental – Charla abierta Viernes 11- 14 hs. en UNTreF (CC Borges)
Para:

 

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Charla abierta
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UNTreF – Sede Centro Cultural Borges
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La acústica del Teatro Colón

Teatro Colón

El Teatro Colón (Buenos Aires, Argentina) es uno de los teatros de ópera más importantes del mundo por su tamaño, acústica y trayectoria. Es considerado uno de los cinco mejores teatros para la ópera por su espectacular acústica.

Comparable a La Scala de Milán, la Wiener Staatsoper , al Gran Teatro del Liceo barcelonés y la Ópera de París , es índice inequívoco de consagración y cita ineludible de quienes aman la música. El Colón ha sido desde siempre un teatro venerado por los públicos más exigentes y por los más grandes artistas.

Acústica del Teatro Colón

La sala del Teatro Colón tiene pisos de madera en la platea y en los palcos. En la platea la madera está cubierta en los pasillos de circulación y entre fila y fila con una alfombra mullida, dejando libre la superficie por debajo de las butacas, sucesión que genera un plano con una absorción pareja, pues si mirásemos la platea desde arriba sin las butacas veríamos una franja con madera y una con alfombra, una con madera y otra con alfombra, y asi sucesivamente. Como en el resto de la sala, el material absorbente no está concentrado sino que está repartido. En los palcos bajos, balcón y altos hay cortinas de adorno que se distribuyen a lo largo de toda la curva del teatro, generando difusión por alternancia de los materiales que rodean la platea. Todos los bordes o filos, como barandas y divisiones de palcos, están tapizados con una tela muy similar a la de las butacas. En cazuela, tertulia y galería el piso es de material y las butacas están tapizadas con una cuerina poco absorbente.

Fuente: Evaluación de la calidad acústica del Teatro Colón de Buenos Aires. Ianina F. Canalis, Gustavo Basso.
VI Congreso Iberoamericano de Acústica – FIA 2008. Buenos Aires, 5, 6 y 7 de noviembre de 2008 (FIA2008-A110)

La calidad acústica se establece a partir de lo que perciben los oyentes. Sus opiniones y juicios no pueden ser reemplazados, por ejemplo, con los resultados de mediciones físicas. La única manera de establecer una lista ordenada de teatros de ópera de acuerdo a su calidad acústica es realizar encuestas con oyentes que conozcan dichos teatros y analizarlas con métodos estadísticos.  Afortunadamente, este trabajo fue realizado por el célebre acústico Leo Beranek y publicado en el año 2000. Beranek y su colega  Hidaka tuvieron que buscar personas que conocieran a la mayoría de los teatros de ópera del mundo. Lograron reunir las opiniones de 22 destacados directores de orquesta, que respondieron un cuestionario sobre la calidad acústica de salas de ópera que conocían. Las calificaron dentro de una escala de cinco niveles: mala, pasable, buena, muy buena y “una de las mejores”. El resultado del trabajo se puede ver en la siguiente tabla . El Colón no solamente figura entre los mejores teatros de ópera, sino que ocupa un primer lugar bien distanciado del resto.

Preservación de la calidad acústica del Teatro Colón
Metodología

La metodología elegida para lograr el objetivo de preservar la calidad acústica del Teatro Colón se pudo dividir en las siguientes etapas:

1. Diagnóstico del estado acústico previo al comienzo de las tareas de restauración. Realización de mediciones del campo acústico en base a la norma ISO 3382.
2. Mediciones acústicas de la sala durante su desarme secuenciado.
3. Medición en laboratorio de las características acústicas de los componentes y materiales retirados de la sala.
4. Medición en laboratorio de las características acústicas de los componentes y materiales a incorporar en reemplazo de los retirados de la sala.
5. Elaboración de un modelo acústico digital para control del proceso de desarme-armado de la sala.
6. Mediciones acústicas de la sala durante su rearmado secuenciado.
7. Medición final con la sala completamente equipada y puesta en valor.
8. Comparación de las mediciones mencionadas en la etapa 1 (condición inicial) y en laetapa 7 (condición final)

Secuencia de mediciones durante el desarme escalonado de la sala

Se realizaron mediciones parciales bajo norma ISO 3382, Tiempo de Reverberación (T30) e intensidad relativa (Strength G) en platea, palcos y niveles superiores, cada vez que secompletaba un paso en la secuencia de desarme de la Sala. Dicha secuencia fue la siguiente:

* Retiro de las butacas de platea
* Retiro de las alfombras de platea
* Retiro de las butacas de niveles superiores
* Retiro de las sillas de palcos y banquetas de los antepalcos
* Retiro de los cortinados de palcos
* Retiro de las alfombras de palcos
* Retiro de los cortinados de accesos
* Retiro de las alfombras del Paraíso

Secuencia de mediciones programadas durante el armado escalonado de la sala

Mediciones parciales bajo norma ISO 3382, Tiempo de Reverberación (T30) e intensidad relativa (Strength G) en platea, palcos y niveles superiores, cada vez que se completaba un paso en la secuencia de armado de la Sala. La secuencia se realizó de la siguiente manera:

* Colocación de las alfombras de palcos
* Colocación de los cortinados de palcos
* Colocación de las sillas de palcos y banquetas del antepalco
* Colocación de las butacas de los niveles superiores
* Colocación de las alfombras de la platea
* Colocación de las butacas de platea

Fuente: Preservación de la calidad acústica del Teatro Colón de Buenos Aires durante los recientes trabajos de restauración. Gustavo Basso, Alberto Haedo, Rafael Sánchez Quintana.
VI Congreso Iberoamericano de Acústica – FIA 2008. Buenos Aires, 5, 6 y 7 de noviembre de 2008 (FIA2008-A155)

Vista 3D del Teatro Colón

Grabando en Casa – Capitulo 5!

Seguimos con la 5º entrega de la serie Grabando en Casa, para todos los interesados en armar su estudio de grabación personal

El Controlador MIDI

Aunque no seamos tecladistas, en nuestro estudio de grabación personal debe haber al menos un teclado controlador. ¿Por qué? ¿Cuál elegir y en qué circunstancias?

Grabar una línea de bajo, una melodía de referencia, un colchón de cuerdas, un arreglito de brasses o un pattern de batería son algunos de los ejemplos en los que resulta imperativo usar MIDI en lugar de audio digital. Quiero decir que es más práctico ejecutar, un arreglo de bronces por ejemplo, en un teclado midi y luego seleccionar el sonido deseado desde nuestra librería, que llamar a los músicos para que lo ejecuten, buscar las condiciones óptimas de microfoneo, ajustar un compresor/limitador, elegir las mejores tomas, procesar el sonido del instrumento, etc. Por supuesto hay circunstancias excepcionales en las que es más ventajoso hacer todo esto último, aunque lleve más tiempo y dinero, depende del presupuesto de producción. Pero en líneas generales siempre necesitaremos grabar pistas MIDI junto a las de audio digital. Para ello es necesario un teclado controlador MIDI. Veamos ahora cuáles son los errores más comunes en la elección de un controlador midi.

¡No a los órganos electrónicos!

El oído desprevenido es susceptible de caer bajo los encantos del último modelo de órgano de alguna marca japonesa porque tiene “ritmos” y muchos “soniditos”. Hay que tener cuidado porque la gran mayoría de ellos no son sensitivos y nosotros vamos a necesitar imperiosamente un teclado que lo sea. Además son costosos, por la cantidad de sonidos que traen grabados en su memoria y a nosotros (que ya tenemos una buena placa de audio con drivers ASIO 2.0) eso no nos hará falta porque tenemos acceso a las librerías de sonidos de todo el mundo gracias a la “generosidad” de Internet. Por último, actualmente hay muchos modelos de órganos o incluso sintetizadores que no cuentan con salida MIDI estándar (ficha redonda de 5 pines) para ser conectados a la PC o a otros dispositivos y requieren de un cable especial que jamás se puede conseguir.

M49 Infrasonic

¡Si a los teclados mudos!

Así suele llamarse a los teclados controladores MIDI, por no traer sonidos incorporados. Esta característica hace que su costo disminuya notoriamente. Vienen en diferentes tamaños, 25,49,61 y 88 teclas según sean de 2,4,5 o 7 octavas. La mayoría son sensitivos (capacidad que permite que las teclas que apretamos más fuerte suenen más fuerte y las que presionamos más suave lo hagan más suave). Algunos tienen teclas semipesadas y los más costosos traen un mecanismo de martillo similar al de los pianos acústicos que produce casi la misma sensación de estar tocando en un “Steinway & Son”.

¡Si a las perillas!

Los más avanzados incluyen una serie de perillas universales que sirven para controlar lo que queramos de nuestros programas de música favoritos: Reason, Nuendo, Cubase, Sonar, Sound Forge, Fruity Loops, Acid, etc. Desde volumen, paneo, ganancia, hasta cualquier parámetro de los sintetizadores virtuales (ataque, sustain, release, LFO, modulación, corte, etc.), o de módulos de efectos (profundidad, predelay, densidad, factor Q, etc.). Esta es una cualidad muy preciada pues permite tener 2 funciones en un mismo dispositivo. O sea que además de servirnos para ejecutar Midis lo podemos usar para comandar nuestra mesa de mezcla o sintetizador virtual.

Controlador MIDI Sintetizadores Órganos
Calidad Alta Alta Baja
Sensibilidad Si Si No
Perillas asignables (Knobs) Si Si No
Peso de teclas Pesadas / semi-pesadas Pesadas / semi-pesadas No
Comandar VST, Sintetizador Virtual Si Si No
Sonidos Incorporados No Si Si
USB / MIDI Si No todos / Si No / Si
Costo Bajo Muy Alto Bajo

Resumiendo: Para el estudio de grabación casero elegiremos un controlador sensitivo con teclas y salida MIDI estándar (si además tiene perillas y salida USB, mucho mejor) del tamaño que mejor se adecue a nuestro bolsillo y espacio físico.

Vx CME

Se viene Sinetesik!

Te imaginás la potencia de utilizar RedPanal en vivo? Empezá a hacerte la cabeza, porque se viene!!

El CCEBA -Centro Cultural de España en Buenos Aires- ha elegido SiNetesik como proyecto para el Laboratorio de Producción que se realizá en el MediaLab de la institución y nos embarcamos junto al genial Lifo Fernandez a construir un nuevo instrumento musical basado en nuestra experiencia comunitaria.

SiNetesik – Mesa interactiva para hacer música.

SiNetesik es una instalación interactiva multiusuario mediante la cual el público será capaz de producir piezas musicales, manipulando el material sonoro (loops, samples, pistas, etc) de nuestra base datos de audio libre, online, de manera novedosa, simple e intuitiva.

La persona encuentra, proyectados sobre una superficie de tipo «mesa», una representación visual de todos y de cada unos de los sonidos de RedPanal, recreados como entes a partir de sus propias características psicoacústicas. Es bueno adelantarnos y aclarar que la manera en la que estos objetos gráficos se ubican en el espacio no es azarosa, sino que tiene una profunda vinculación en las relaciones de similitud o no entre los objetos sonoros. En el momento de la performance, el músico puede reordenarlos y elegir la manera en la que ellos se agrupan, se acercan o se alejan, definiendo en que canales quiere establecer estas comparaciones.

music interface

Tenemos así una “nube” de audios/gráficos que es navegada y operada a través de una interface háptica (mesa y objetos). Cada elemento visual que se ve corresponde a uno de los materiales alojados en el servidor, subido previamente por un miembro de la comunidad RedPanalera.

Entonces se puede explorar esta nube, así como también procesar los materiales en ella y mezclarlos para producir nuevos. Un punto muy importante es que estas dos prácticas, la búsqueda y la autoría, ocurren en simultáneo, están unidas en la misma aplicación. Los limites entre cuando se está explorando y cuando se encuentra produciendo son dinámicos y están mas bien marcados por la acción del usuario y no por la herramienta en si.

Como aclaramos anteriormente, en el proceso de selección  se puede reorganizar la visualización , también se puede preescuchar los materiales. Asistiendo a esto, una especie de lupa, un marco que muestra menos elementos con mas nivel de detalle y donde podemos elegir ver solamente algunos elementos con determinadas características filtrando otros.

Una vez que el usuario encontró lo que deseaba, lo modifica y  mezcla con otros elementos. El también puede consolidar grupos de sonidos como si fuesen uno solo y así manipularlos como individuales.

Fundamentación

En año pasado, British Council nos convocó para darle forma al stand que estaban preparando en el marco de la Feria Internacional de Música de Buenos Aires (BAFIM). Pensamos cómo hacer para que el público del festival pudiera experimentar o jugar con los sonidos que se encuentran en RedPanal, evitando tener que explorar extensas listas de archivos solo con referencias textuales a los mismos, para luego tener que importar nuestra elección a algún software multipista. Práctica muy cotidiana en los múdicos, pero que en este contexto considerábamos negativa.

Esto fue lo que disparó la idea de promover la creación colaborativa uniendo, la exploración de grupos de documentos digitales, con el proceso de producción en una sola actividad, combinado algunos aspectos de disciplinas como music information retrival, interactive data visualization, web semántica o web 3.0, query by humming , query by example, interfaces interactivas hapticas, proceso de audio en tiempo real.

puredata

Destinatarios.

Si bien esta instalación quizás sea realmente aprovechada por artistas sonoros, esta destinada tanto a músicos como no-músicos, a cualquier público en general, tratando de acercar a estos últimos a la composición contemporánea electroacústica y a la creación colaborativa.

Antecedentes y contexto.

La necesidad de crear herramientas automáticas que le otorguen a los sonidos un significado visual, para poder percibir sus particularidades de una manera rápida, simple y eficaz, urge al considerar la enorme cantidad de información a la que nos exponemos adelante de extensos lotes de archivos. Teniendo en cuenta lo accesible que se ha vuelto registro digital de materiales sonoros para cualquiera persona esto es mas común cada día.

Esta búsqueda por concebir sistemas con nuevas funcionalidades para la búsqueda, interacción y producción con material musical esta muy vigente. En líneas similares a las de este proyecto podemos nombrar a «SemanticHiFi«. Este trabajo es llevado a cabo por un consorcio de universidades y empresas, entre ellas: IRCAM, Native Instruments, Sony y Universitat Pompeu Fabra. Proyectado tanto como un instrumento abierto y como una estación de escucha, propone cambiar drásticamente la manera de interactuar con la música disolviendo los limites tradicionales entre escuchar, producir y remixar.

Del tipo de interfaces expresivas para la navegación de piezas musicales, que también se valen de las técnicas de Music Information Retrieval (MIR)  y Tangible User Interfaces (TUI), tenemos que considerar el trabajo de Carles Fernández Julià «SongExplorer».

puredata

Información técnica del proyecto.

Extracción e indexado de información en el audio

La primer parte del desarrollo, que en un primer momento no se realizará en tiempo real, tiene como fin extraer las características del sonido, pertinentes a los procesos que realizaremos después (analizar, convertir en descriptores textuales y almacenar).

Los aspectos psicoacústicos en los cuales nos centraremos son:  tonicidad (porcentaje de percepción de altura), tónica y modo; rango de las alturas y densidad polifónica; tempo y densidad cronométrica; tipo de ataque y duración de la envolvente.

Para llevar a cabo este proceso, analizar y convertir esta información en descriptores textuales e indexarlos en una base de datos, utilizaremos el sistema de plugins Vamp. Estos plugins son corridos en un host, existen varios, en este caso nosotros utilizaremos Sonic Annotator, una aplicación que, ejecutada mediante un simple comando de consola, nos permite procesar lotes de archivos aplicándoles diferentes tipos de análisis.

Estas utilidades citadas anteriormente (Vamp Plugins y Sonic Annotator) son desarrollos del Centre for Digital Music, Queen Mary, University of London.

Visualización interactiva de datos

Los objetos visuales con los cuales interactuará el usuario se generan a partir de estos datos extraídos.
En el entorno de programación Processing/Java desarrollaremos el sistema de visualización de datos que automáticamente generará la referencia visual a cada audio
Los vínculos que entablemos entre estas cualidades auditivas y el código gráfico posiblemente serán estas:

Captación de movimiento de los usuarios

Para captar las acciones que realicen los usuarios, utilizaremos una cámara bajo de la superficie de proyección y en el centro de la misma. A través de un sistema de visión por computadoras analizaremos esta captura en tiempo real, actualizaremos la interface gráfica y enviaremos a PureData, mediante el protocolo OSC, los cambios y procesos que el usuario vaya realizando.

Módulo sonoro

El modulo de sonido lo desarrollaremos en PureData. Los procesos y controles serán en el principio simples, limitándonos a permitir manipulaciones clásicas de las primeras experiencias de música concreta.

Esperamos que les gusten las noticias! Nosotros estamos motivaaaaaaaaaaaaaaaaaados!!

Gracias al MediaLab, Emiliano Causa (Coordinador) y Matias Romero Costas (Asistente) la posibilidad que nos brindan.

Bob Marley and The Wailers

Catch a Fire. Documental sobre Bob Marley y The Wailers genial. No sólo muestra la intimidad del estudio, cómo componían y grababan los temas, el trabajo de producción que se hizo, la forma en que lograron que el Reggae sea bien ponderado a nivel mundial. También está ahí la mística de la música cuando se toma como algo vital, transformador, dinámico, popular, vinculado a la cultura propia y el amor.

No encontramos el video enterito, así que se los dejamos por partes, como le gustaría a Jack… (cuac!)

Aguante Marley! Aguante Peter Tosh! Aguante la monada reggaosa!

Bob Marley

The Beatles y Pink Floyd en el estudio

Les acercamos un texto de Fabio García, en el que compara el trabajo de producción en el sonido en estos gigantes de la música que son Sargent Pepper’s y The piper at the gates of dawn.

The Beatles y Pink Floyd

Comenzamos una serie de artículos dedicados a analizar grandes hitos de la música desde el punto de vista de la producción y el sonido. Y lo hacemos con dos clásicos: The Beatles y Pink Floyd.

Este trabajo está basado en la comparación directa del sonido de dos discos grabados durante la misma época en las instalaciones del mismo y mítico estudio. Abbey Road fue el lugar en donde fueron creados “Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band” y “The Piper At The Gates Of Dawn”.

Opté por comparar ambos grupos ya que, desde mi punto de vista, tanto The Beatles como Pink Floyd se destacaron del resto por el uso del estudio de grabación, la experimentación en técnicas de grabación y por la producción en general de sus grabaciones.

Allí comienza el análisis; proceso que debe mantenerse, en lo posible, alejado de cuestiones relacionadas con gustos personales, estilos, composición, arreglos, ejecución, etc., para concentrarse, exclusivamente en el sonido de ambas producciones.

Sé que es difícil abstraerse, pero intentemos hacer un análisis. Por supuesto, tengo mi opinión al respecto, que se irá conociendo a lo largo del artículo.

En lo previo
Ambas producciones fueron realizadas y lanzadas en 1967. Si bien la grabación de “When I’m sixty four”, una de las canciones de “Sgt. Pepper’s…”, había comenzado sobre principios de diciembre de 1966, el grueso de las sesiones se realizó durante el transcurso de 1967, coincidiendo en algunos casos con las sesiones de  Pink Floyd que se iniciaron sobre finales de febrero de 1967 extendiéndose hasta julio del mismo año. Ambas producciones fueron lanzadas primero en mono y poco tiempo después en estéreo.

Ambos grupos llegaban a la grabación de sus respectivos álbumes con un nivel de experiencia marcadamente diferente. The Beatles ya gozaban del éxito masivo y tenían un vasto conocimiento de los estudios de grabación; por su parte, los Floyd hacían su primera incursión en la grabación de un álbum en un estudio mayor. Si bien hacía poco más de un mes que habían grabado su primer sencillo en otro estudio (Sound Techniques), esta era su verdadera entrada al mundo de las grabaciones profesionales.

En resumen, cuando los Floyd llegan a su primera grabación profesional, los Beatles ya contaban con una experiencia de cuatro años. Los Floyd necesitaron de la docencia de su productor para conocer las posibilidades que le brindaba un entorno como Abbey Road. Lo que resulta evidente es que los muchachos aprendieron muy rápido.

Lejos de lo que algunos podrían pensar, los Floyd no estaban peleados con los Fab Four; es más por ciertas declaraciones se ha conocido la admiración de Syd Barret por ellos. La influencia de The Beatles sobre Barret se puede apreciar claramente en la canción “Bike”.

Por su parte, tanto Roger Waters como Nick Mason han tenido comentarios respetuosos con respecto a cierta vez que se cruzaron en los estudios Abbey Road durante la grabación de sus álbumes.

Mono o estéreo
Las dos producciones son diferentes al comparar sus ediciones en mono y estéreo. Mi opinión es que la mezcla mono de “Sgt. Pepper’s…” es mucho mejor que la estéreo. La versión de dos canales no ofrece un balance adecuado lo que provoca que pierda pegada, especialmente en las bases.

Una muestra se puede apreciar al escuchar en estéreo la segunda versión (Reprise) de “Sgt. Pepper’s…” y “Lovely Rita”. La primera canción posee una base mucho más cimentada que la segunda con su batería tan separada del bajo.

Por el contrario, creo que la mezcla estéreo de “The Piper…” tiene un sonido mucho más atractivo que la versión mono, en especial en lo que respecta al manejo de los efectos. Un buen ejemplo puede oírse al escuchar, en ambas versiones, la onomatopéyica canción “Pow R Toc H”. La versión estéreo tiene un sonido mucho más cuidado y pulido de la reverberación.

Más allá de éstas y otras diferencias, y considerando que estamos en tiempos modernos, y que además, ambas versiones han sido creadas por respetados ingenieros, elegí comparar las ediciones estéreo de ambos álbumes.

Comparaciones
Cuando escuchamos las primeras canciones de ambos discos se aprecian obvias diferencias en el sonido general. El sonido claro y directo de “Astronomy Domine”, especialmente de sus guitarras, contrasta con el sonido agresivo de “Sgt. Pepper’s…”.

Otra diferencia apreciable es el sonido de la voz. Más allá de que ambas canciones poseen diferencias en la intensidad de la interpretación, el sonido general de la voz de “Sgt. Pepper’s…” no tiene la claridad que se escucha en “The Piper…”.

Precisamente, elegí las voces para comenzar el análisis.

Por favor, escuchemos ambas producciones en un sistema que sea capaz de reproducir buenos graves.

The Beatles Studio

Voces
El punto principal que percibo en las voces de “Sgt Pepper’s…” es la marcada diferencia en la presentación utilizada para cada canción.

En alas de la experimentación, los Beatles eligieron aplicar diferentes procesamientos con efectos a sus voces. Este acercamiento, sumado a las diferencias de los timbres de las voces crea la sensación de encontrar saltos, o de falta de uniformidad, al escuchar las canciones.
Por lejos, elijo el sonido de la voz de Mc Cartney, con excepción de la primera canción. Escucho en sus canciones los mejores sonidos de voces solistas, junto al excelente sonido de la voz de Ringo Starr en “With a little help from my friends”. Sinceramente, la voz de Lennon no me parece su mejor virtud.

Por ejemplo, el sonido de las voces de “Being for the benefit of Mr Kite” o “Within you without you” – cantada por Harrison –, no poseen la claridad que se aprecia en “Getting better” o “She’s leaving home”.

Las voces de “The Piper…” tienen un sonido más coherente. Al pasar las canciones, si bien también hacen uso de las herramientas de procesamiento, no encuentro los saltos que escucho al oír “Sgt. Pepper’s”.

Por ejemplo, en “Astronomy Domine”, el sonido de las voces de Barret y Wright se destacan sin problemas en medio las guitarras, órgano, bajo y batería. La claridad de los sonidos vocales es evidente aún hasta en la en la canción “Pow R Toc H” creada, en su primera parte, con sonidos onomatopéyicos.

Piano
Si bien este instrumento no tiene un papel tan preponderante, el piano acústico está presente en las dos producciones, aunque en mucha menor cantidad en el álbum de Pink Floyd.

Claramente, notamos que Beatles tiende a utilizar un sonido Honky-Tonk (nasal) como se pone en evidencia en el acompañamiento de “With a little help from friends”, y también en el solo de “Lovely Rita”. En especial, creo que “Little help” se hubiese beneficiado de un sonido más natural.

A menudo, Paul McCartney grababa varias pistas de piano que luego eran mezcladas para crear la pista definitiva. Estas pistas, a veces se creaban pasando el sonido del piano por un equipo de guitarra con el objetivo de crear un sonido de piano diferente.

Contrariamente a la experimentación en otros aspectos, los Floyd, más propensos a la ejecución con órgano, utilizan el piano para obtener un sonido con mucha más extensión de registro, como escuchamos en el solo de “Pow R Toc H”.

En lo particular, nunca fui un amante del sonido Honky Tonk, por lo cual el mejor sonido de piano en “Sgt Pepper’s…” lo encuentro en las breves incursiones de “When I’m sixty four”.

Guitarra
Como mencioné más arriba, el sonido de la guitarra es el primer elemento en el que escucho diferencias notorias entre las dos producciones, tal vez por su aparición casi inmediata en las primeras canciones de cada álbum.

Si escuchamos el sonido de guitarra presente en “Fixing a hole” de “Sgt. Pepper’s…”, que se inicia aproximadamente en 0:50, o el que luego aparece en 1:16, para posteriormente, compararlo con el sonido de “Astronomy Domine” de “The Piper…”, aproximadamente en 0:31, encontraremos diferencias abismales.

Sugiero que en la comparación tratemos de ser lo más objetivos posible, despojándonos de nuestros gustos. Si hoy escucharíamos ambos sonidos sin conocer su procedencia, ¿qué diríamos?

The Piper…” ofrece otro excelente sonido de guitarra rítmica en “Screcrow”, aproximadamente en 0:28. Un sonido lleno de actualidad que junto con los sonidos de los arpegios de “Matilda Mother”, o la fuerza de “Astronomy Domine” o “Interstellar overdrive” podrían haber ayudado a mejorar la primera canción de “Sgt Pepper’s…” o, especialmente, las breves líneas solistas de “Good morning good morning”, por ejemplo.

Batería y bajo
No encuentro en estos instrumentos diferencias evidentes como las marcadas en las secciones anteriores. No obstante, hay puntos encontrados en lo que respecta a consistencia de la base. Probablemente, la mezcla estéreo jugó una mala pasada a “Sgt. Pepper’s…”, ya que en algunas canciones como por ejemplo “Lucy in the sky…” y “Lovely Rita” el bajo se escucha muy separado de la batería, algo que no ocurre en otras canciones con bases mucho mejor logradas como “Being for the benefit…” o la versión reprise de “Sgt. Pepper’s…”.
Las bases de “The Piper…” tienen más coherencia de sonido; el bajo y la batería se escuchan, en general, mucho más unidos que “Sgt. Pepper’s…

No obstante, es digno de destacar la claridad en el sonido del bajo de Paul McCartney, principalmente, gracias a la grabación directa a consola. Para esta tarea, el departamento de ingeniería de Abbey Road desarrolló y construyó sus propias cajas directas para las sesiones de grabación.

Comentarios finales

Algo que no deberíamos perder de vista es la concepción de cada álbum. Los Beatles ya no se presentaban en vivo – su última presentación se había realizado en agosto del año anterior –, por lo tanto, su intención no era tocar el material ante una audiencia, y de ahí la destacada cantidad de material instrumental extra-Rock volcado en la producción.

Pink Floyd studio

Por el contrario, la concepción de “The Piper…” era capturar de alguna manera el espíritu de Pink Floyd durante sus presentaciones en directo, en consecuencia fue necesario realizar una notable menor cantidad de sobregrabaciones, con su correspondiente ganancia de calidad al evitar las pérdidas generadas al realizar sucesivos bouncings.

Es normal pensar que el sonido tiene relación directa con el productor de una grabación, pero no creo que esto haya sido tan definitivo en el caso de ambas producciones.

Son conocidas las palabras de Norman Smith, productor en ese momento de Pink Floyd, expresando que los muchachos debían aprender a grabar. Irónicamente, Norman Smith era llamado “Normal”, debido a su ortodoxia al momento de grabar.

Smith venía de trabajar con The Beatles en sus álbumes anteriores, pero ahora se enfrentaba a una música diferente y con integrantes que buscaban cosas que estaban fuera de las reglas establecidas hasta el momento, quizás por Beatles.

En lo personal, creo que el sonido de ambas bandas es responsabilidad casi exclusiva de los integrantes de ambas agrupaciones. A pesar de la falta de experiencia de los Floyd, Smith fue muy amable al involucrarlos en el proceso de producción – algo no habitual en esa época – y, como mencioné antes, los muchachos aprendieron mucho y muy rápido.

Los Beatles cambiaron la manera de grabar música, y los Floyd también aportaron lo suyo. No hay que olvidar un detalle sumamente importante: “The Piper…” era la primera oportunidad que los Floyd tenían dentro de un estudio.

Como mencionó, uno de los primeros managers del cuarteto, “Pink Floyd copió cosas de los Beatles y ellos copiaron cosas de Pink Floyd”.

Creo que el punto más alto de sonido en “Sgt Pepper’s…” se encuentra en la hermosa canción “She’s leaving home”. Un sonido cálido y claro que permite escuchar detalles en cada pasada del arco por las cuerdas de violín.

Por el contrario, me cuesta elegir una canción con el mejor sonido en “The Piper…”; es un álbum muy bien equilibrado en lo que respecta a audio; no encuentro saltos que me saquen de sitio al escucharlo de principio a fin, algo que sí aprecio en “Sgt. Pepper’s…”, principalmente debido a los diferentes ambientes de las voces y a la variada instrumentación, especialmente debido a la inclusión de instrumentos ajenos al Pop/Rock.

Queda claro el concepto que planteé al principio del artículo en donde menciono que la intención no es analizar la composición ni la interpretación o los arreglos sino solamente aspectos que tienen que ver con el sonido. Tampoco analizamos la propuesta en vivo o en directo de cada banda, donde claramente Pink Floyd gana por escándalo, aún desde sus primeras presentaciones.

No quedan dudas que The Beatles presentaba aquello que la mayoría del público quería oír, y sabemos que poco importa el sonido cuando una canción gusta. Por supuesto, la disfrutaríamos más si estuviese grabada con un mejor sonido, pero eso es algo secundario. O acaso, ¿no han visto gran cantidad de personas escuchando sus canciones favoritas a través del pequeño altavoz de un teléfono celular?. Una buena canción va más allá de los medios utilizados para registrada.

Pink Floyd era el “underground” de su época; poco tenía que ver con lo masivo que fue en años posteriores.

Su música presentaba algo marcadamente diferente, basada principalmente en la improvisación y en el interés por la creación de distintos climas dentro de una misma pieza musical, una característica que mantendría con el correr de los años, especialmente bajo el liderazgo de Roger Waters, quien también lo demostraría en sus producciones solistas.
Creo que la importancia dada a la creación de climas o al establecimiento de una cierta dinámica dentro de una canción, son los puntos principales que diferencian a Pink Floyd del resto de las bandas; la cuestión es que eso no resulta del gusto de todo el mundo.

Finalmente, mi opinión es que The Pipper…” suena mejor que “Sgt. Pepper’s…”, pero qué le importa eso a los fans de The Beatles. Sin embargo, sí debería importarnos a nosotros, los fanáticos de la grabación, quienes buscamos la manera de mejorar nuestras mezclas intentando arrimarnos al trabajo de los grandes ingenieros.

El debate está abierto; mi opinión es clara, y sería estupendo conocer qué escuchan otros oídos.

Balance del 2009

Fin de 2009. Año moviiiiiido! Una verdadera felicidad el balance necesario a esta altura del año.

Para empezar, tenemos que rescatar algunos nuevos sonidos en la plataforma. Elegimos estos excelentes loops de Brasil que subió Ron Damón y otros de India hechos por ElNegro para destacar por la diversidad y calidad que añaden. Pero claro… Los miles de archivos incorporados en el año hacen necesariamente parcial la selección.

Por otro lado, en 2009 desarrollamos herramientas de integración con Facebook y Firefox (RedPanal como motor de búsqueda) que agilizaron la utilización de la plataforma actual.

Lanzamos el proyecto en Webprendedor 2009 (Concepción-Chile). Una excusa perfecta para ver a amigxs como Andrés Durán, Andrés Valdivia, Paula Rojo y Jorge Dominguez, así como conocer gente nueva como David Basulto, David Assael, Giuliano Pastorelli, Nico Orellana, Lucho Ahumada, Javier Valenzuela y Laura Gamundí. Gracias a todxs ellxs! Ah! Y no olvidar las excelentes entrevistas de Inmediatez producciones y Diarios Ciudadanos que nos hicieron poner un pie firme en ese país!

Webprendedor

Asimismo, un rato dejamos nuestros instrumentos de lado y nos pusimos a escribir un artículo para el libro Muerde! compendio de Cultura Libre realizado por FM La Tribu que aconsejamos fervientemente.

Junto a La Tribu y otrxs amigos como la gente de la Fundación Via Libre estuvimos presentes en la charla sobre Derechos de Autor en la Era Digital que se hizo en la UBA, metiendo este importante debate en el ámbito académico.

Participamos en el Circo Informático Libre junto a Musix y la Oveja Electrónica.

Se incluyó el remix ganador del concurso que realizamos junto a Mariana Baraj en el último disco editado por la artista.

Fuimos proyecto pre-seleccionado en IYME (Reino Unido), La Red Innova (España) y TechCrunch (San Francisco, USA) y Pio.la PS10.

Co-organizamos el evento Wikimania 2009 generando redes con organizaciones hermanas, tan valiosas como Wikimedia, Buenos Aires Libre, CafeLUG y otros. Tuvimos la enorme felicidad de Presentar el Concurso de la Canción del Software Libre junto a Richard Stallman en el Teatro Alvear (si todavía no vieron el video, no se lo pierdan!).

Richard Stallman

Continuamos dando vueltas por diversos lugares, «profesando» la Música Libre y colaborativa. Lanzamos el proyecto, con el apoyo institucional de la embajada de argentina en España, en el MediaLab-Prado de Madrid y articulamos con El Cosmonauta (Cine libre y comunitario) acciones que estarán viendo la luz en breve. Recién saliditas del horno están las entrevistas que nos hizo Noticias Culturales Iberoamericanas y EsMadridTV (nos han dicho que esta se ve en el circuito de TV del Metro de Madrid!).

Participamos en los Oxcars 2009 -el mayor evento de Cultura Libre realizado hasta la fecha- y el Foro de Cultura Libre realizado en Barcelona.

Eugenia Campos, de FLACSO, hizo una tesis sobre cultura en la era digital, usando nuestra plataforma como caso de estudio.

Armamos una charla para el 1er Encuentro de Industrias Creativas de Berazategui.

Experimentamos con nuevas interfaces musicales para la expresión con una instalación realizada en base a fiduciales en el stand de British Council en BAFIM (Festival Internacional de Música). Gracias Lifo Fernandez por colaborar con nosotros y abrirnos caminos!

Fiduciales

Tuvimos la suerte de que algunos medios nos hagan notas varias, entre las que caben resaltar las de InfoBAE y Página/12 por su masividad e impacto público.

Participamos en La Fábrica de Fallas – Segundo Festival de Cultura Libre.

Estamos articulando con SafeCreative, el mayor registro de propiedad intelectual a nivel global nuevas aplicaciones para nuestra versión estable del sitio.

Realizamos acciones a favor del dominio público y el derecho a la cultura como factor central de desenvolvimiento humano.

Estamos en pleno desarrollo de nuestra nueva versión del sitio (proximamente online!) junto a Giro54 en diseño de interacción-gráfico y GCoop en programación. Y… Creemos que viene muuuy potente!!

Incursionamos en formato Webconference junto a ÑuCapita dando un taller sobre Música y nuevos modelos de negocios.

Pa´ terminar, un saludo especial a Ale Fábrega y Dardo Ceballos (colaboradores de nuestro blog), Seba de La Tribu, Bea de FVL, Euge y el IECYT, siempre Mariana Baraj, al pie del cañon!

Qué más decir… Un 2009 hermoso. El desafio para el año que viene es gigantesco y nos da tantas ganas de encararlo!!

A todxs lxs amigxs, muchísimas gracias por el inmenso apoyo que permanentemente nos brindan. Nos hacen caminar, no perder el rumbo, organizar la esperanza, fortalecernos frente a cualquier embate.

Con quienes todavía no hemos logrado juntarnos y armar historias juntos… Aquí estamos. Nunca mejor momento que ahora (siempre ahora!) para empezar a hacerlo!

Los esperamos en nuestra comunidad, RedPanal… Y Feliz año nuevo!

El dia en que el IPhone se convirtió en un instrumento musical

Acaba de publicarse Sonic Shift 1.0, la primera aplicación para iPhone que puede alterar independientemente pitch y tempo de cualquier audio grabado en tiempo real, gracias a una serie de algoritmos DSP.

Sonic Shift está diseñado específicamente para músicos que quieren una herramienta de alteración de tempo y pitch simple y fácil de usar que entregue audio de calidad sin artefactos.

Como músico, estoy continuamente aprendiendo nuevos riffs para tocar con la guitarra“, explica Salil Apte, desarrollador de la aplicación. “Con Sonic Shift, puedo grabar el riff o solo que quiero aprender, ralentar el audio y no preocuparme por el cambio de pitch del audio resultante“.

Sonic Shift también ofrece la capacidad de alterar el pitch del audio sin afectar el ritmo, asi cantantes y músicos por igual pueden escuchar una melodía trasladada a otro tono. Y sin límite a la cantidad de audio que puede grabar, Sonic Shift puede ser utilizado para registrar cualquier cosa como clases de música y conferencias.

Via Noticias Audio.

Chas Park Music – Curso de grabación en estudio

Los chicos de CHAS PARK MUSIC y STUDIO REC, grandes amigos de la casa y colaboradores, nos envían la data de su area educativa y de formación profesional. Gracias Seba x la info!!!

Chas Park Music

CHAS PARK MUSIC – Buenos Aires – Argentina

Cursos de grabación en estudio

Las clases son de tres alumnos, la duración es de dos horas cada una y se dictan dentro del estudio de grabación Studio REC. Vas a tener la posibilidad de utilizar todos los equipos que brinda el estudio.

Temas Grabación NIVEL 1
Introducción al Audio / Acústica
Pro Tools 1
Grabación 1
Grabación de un músico
Edición en Pro Tools 1
Grabación de un cantante
Mezcla 1

Grabación Nivel 1
Duración: Dos meses (8 clases de 2 horas)
Cupos: 3 alumnos
Días de cursada: Lunes o Jueves
Comienzo: 3 de Agosto de 2009, 17hs
Costo: $400 (Abierta la inscripción)

Temas Grabación NIVEL 2
Pro Tools 2
Grabación 2
Grabación de un guitarrista y un cantante
Edición en Pro Tools 2 / Mezcla 2
Grabación de una batería
Post producción en Pro Tools
Mastering

Grabación Nivel 2
Duración: Dos meses (8 clases de 2 horas)
Cupos: 3 alumnos
Días de cursada: Martes
Comienzo: 4 de Agosto de 2009, 19hs
Costo: $400 (Abierta la inscripción)

Para mas información comunicarse a:
4523-9904
info@chaspark.com.ar

También Clases de Pro Tools / Ableton Live / Reason
Las clases de Pro Tools / Ableton Live / Reason son individuales. La duración es de una hora cada clase y el valor es de $50.

Chas Park Music2

MuseScore, notación musical en software libre.

Para los que disfrutan la lectoescritura musical, les acercamos un programa que sirve para escribir música,  por supuesto en lenguaje musical adecuado, que se puede descargar gratis y está desarrollado en software libre.

El MuseScore es un programa de notación musical libre multiplataforma WYSIWYG , desarrollado en open source bajo licencia GNU GPL. El software corre actualmente en Windows y Linux, y abrieron la convocatoria para desarrolladores para Mac OS. Algunas de sus características son:

  • WYSIWYG (Lo que ves es lo que obtienes), las notas se escriben en una “partitura virtual”
  • Número ilimitado de pentagramas
  • Hasta cuatro voces por pentagrama
  • Inserción de notas fácil y rápida con mouse, teclado o MIDI
  • Secuenciador integrado y sintetizador por software FluidSynth
  • Importa y exporta MusicXml y archivos MIDI Estándar (SMF)
  • Código en plataforma independiente, archivos binarios accesibles para Linux y Windows
  • Licencia GNU GPL

Más info: MuseScore, AudioNews